Mirada sonora

Kosmikín o La sonrisa más feliz (2004)

2011-12-08T20:14:00.001-08:00

Estaba tras la cortina de un changarro en avenida Zaragoza / La idea no le pareció tan buena / Tras platicar, lo convencí / Difícil, este oficio de querer saber la vida de la gente / Sus costumbres / O lo que está detrás / Peor aún / Grabamos / Me sorprendió la transformación / En cuanto puso la pintura en su cara, comenzó a entrar aquel otro suyo del que me hablaba / Mucho gusto, señor payaso / Mucho gusto, señora tristeza / Y entonces vi al verdadero, oculto, desprotegido ser humano que se escondía tras la máscara / Lugar común, sí, pero quién no se esconde, carajo / Me sorprendió la transformación / Y la de muchos del equipo / Eso nos pasa por andar de preguntones / Mucho gusto, señor payaso / Mucho gusto, señora sonrisa

Cuaderno de apuntes (junio 2011)

2011-07-22T13:28:00.000-07:00

1.
11 am: La movilización ciudadana se convirtió en poesía. Integrantes de la Caravana por la Paz se muestran sorprendidos del poder de convocatoria de Sicilia y las organizaciones sociales locales. "Esto ya prendió", comenta Rocato, coordinador de prensa de este movimiento. Al escritor se le llenan los ojos de lágrimas y esperanza. El calor quema las entrañas. Los reporteros que acompañan a los activistas no lo pueden creer y mientras algunos fotografían a los manifestantes gritan junto a ellos "ni uno más", "no queremos la guerra, queremos la paz". Más de mil personas aguardan en el Monumento a la Madre la llegada de más organizaciones que viajan en 16 camiones. Niños, jóvenes, adultos y ancianos cantan, bailan y sueñan con un Chihuahua donde reine la paz y la alegría [...]

2.
Huele a comal. El eco de los pasos retumban en los frentes de los negocios por donde transcurre la marcha. "Vivos se los llevaron, vivos los queremos... vivos se los llevaron, vivos los queremos...". Los empleados de los negocios que han salido para observar la caminata, gritan consignas en contra y a favor de la paz. La piel se estremece y no queda otra que perderse entre el río de manifestantes, ir a contracorriente para visualizar los rostros del dolor que buscan trascender la esperanza [...]

¿Cómo será la voz del reportero que escribió estas líneas y que perdió en el Monumento a Benito Juárez de Ciudad Juárez la libreta que encontré y en que escribió esto? ¿Lo habrá publicado? ¿Cómo suenan las voces de aquella multitud, de aquellas mujeres y hombres que buscan a sus desaparecidos, a sus muertos? ¿Cómo suena tu voz, espectador? ¿Acaso suena en el silencio?

Príncipe de Asturias 2011

2011-06-01T20:02:00.000-07:00

McCabe and Mrs. Miller
I am a Hotel
Pump Up the Volume
Natural Born Killers
Wonder Boys
The Life of David Gale
Shrek...

En todos estos filmes, y en más, vive la música de Leonard Cohen.
El Asturias, para un grande.
Felicidades, Leonard!

Selmasongs (2000)

2011-05-26T11:19:00.000-07:00

Banda sonora de Dancer in the Dark, cinta de Lars von Trier, el polémico enfant terrible del cine europeo.
Comedia musical contemporánea donde la ceguera de la protagonista (Björk) juega un papel fundamental para contar la historia.
A lo largo del filme, los sonidos incidentales –aquellos que apenas aparecen y se escuchan, pero que enriquecen las atmósferas– van cobrando relevancia hasta lograr primeros planos sonoros llenos de furor y ritmo.
El sonido toma el control de la narración y desvela su materia inorgánica.
En esta película, el sonido se ve.
Gran metáfora de la mirada de lo no visto, las piezas recogidas por este soundtrack evidencian la posibilidad de ver en su completud al mundo entero, aún con los ojos cerrados...
O más bien, sin ojos...
¿Mirada silenciosa?

Silencio

2011-05-05T21:45:00.000-07:00

Larga tarde en la que todo se espera
vuelvo la espalda y veo los rostros del deseo
animo cada paso a que se inmole
¡en estos tiempos todo es tan real!
lo único que espero es que al llegar a casa

tus manos suaves toquen mis párpados y cierren mis ojos
tus suaves párpados toquen mis ojos y cierren mis manos

tus ojos suaves toquen mis manos y cierren mis párpados

para así fluir en un
silencio de mirada...

Blue Velvet (1986)

2011-03-01T14:25:00.000-08:00

Pareciera que el mundo es amable y cándido. Pareciera que todo sonríe y que detrás de los verdes céspedes y las bienpintadas cercas de madera, la vida es simple, fácil... Percepción pura. En las historias de David Lynch todo se tuerce. Inesperadamente, los personajes se ven involucrados en situaciones que no buscaron, encontrándose con perversiones o con una maldad incauta. Y sin embargo, siempre hay un halo de nostalgia, de tristeza por lo que no puede ser perfecto, o simplemente por lo que fue... Tenue sensación de suavizar con los labios un poco de terciopelo azul. Al final, todo regresa a como era en un principio, pero llevando a cuestas la sensación de que el mundo es frágil, delgado, corruptible. Las piezas de este soundrack alternan entre los momentos en que todo se transforma, pero también los breves destellos donde por unos pocos instantes, todo está bien.

Blue Velvet OST

The Warriors (1979)

2011-02-24T08:43:00.000-08:00

Yo sí empezaría mi participación con The Warriors.
Es muy infantil, pero que me importa!!!
Si mis zonas conurbadas no están Queens,
No me mandan bats ni nada deportivo...:
Pura muerte me mandan de los States...

Desamparado estoy sin banda que contenga la fuerza del miedo y la ignorancia
puro poder...
Esta banda musical ilustró el estar solo, aunque un bate fuera suficiente, corto,
como la distancia entre una bala y casa.
Pareceria que la que la compusieron ayer
Llégale!

Descargar tema
Descargar The Warriors OST

Publicado por Fonatur

Mirada Sonora

2011-02-17T07:29:00.001-08:00

No son solamente las imágenes que recibimos del exterior lo único que podemos clasificar de visión. La visión y la atención que ponemos en ella pueden venir también de una condición interna.

Recuerdo algo en el ensayo de Schopenhauer sobre "las visiones de fantasmas", donde sugería que estos fenómenos eran producidos por el cerebro, que era capaz de reproducir cualquier fenómeno sensorial de manera clara y contundente. Un ejemplo más científico son las alucinacionesde tipo esquizoide que no sólo son visuales sino también auditivas, olfativas o táctiles.

Ahora, sin especular mas sobre temas que corresponden más a otras áreas del conocimiento (y a sus expertos) me atrevo a ir al centro de esta nota.

Sonidos ásperos, imágenes frescas. Si bien el cine es el ejemplo perfecto para ilustrar las relaciones entre imagen y sonido en un plano artístico, existen otras formas que sugieren o que, en verdad, llegan a crear éste efecto de miradas sonoras o de audiciones visuales.

Desgraciadamente, en el cine no he encontrado un trabajo en el cual una imagen me sugiera o me provoque claramente una audición. Pero sí conozco el caso contrario.

El ejemplo que quiero mostrarles hoy es una cúspide de esta manera de crear.

Se trata de una obra de Maurice Ravel: Gaspard de la Nuit. Basado en el libro de poemas de Aloysius Bertrand, del mismo nombre. La obra es de 1908.

El efecto que provoca Ravel en ella es triple según lo que percibo. Por una parte, disfrutando la música desde un punto de vista de música pura, es una obra de cualidades notables. Comparando con los poemas de Bertrand se encuentran claras relaciones con el texto y lo que allí describe. Por tener esto se vuelve una obra programática y descriptiva. Por otra parte, la misma música sugiere movimientos y elementos más allá, como en el caso de Ondine, que aunque no se tengan referencias sobre este ser mítico acuático, los juegos de la columna de agua se perciben claramente a través de la forma musical y de sus elementos. Texturiza el momento de escucha con acompañamientos a melodías siempre bellas y claras, a veces sentimentales.

Ravel siente la forma e imagen de las situaciones que lo llevan a expresarse y, con esa "revelación" plástica, lo hace a través de lo suyo: la música. El uso de los timbres y de la armonía que Ravel tenía le da posibilidad de transformarlos en materiales para esculpir, pintar o en fin... algún otro arte al que Ravel seguramente habría querido también dedicarse (de ser mas larga la vida, menos fugaz la juventud y menos la música por hacer). Mucho de esto último es por supuesto especulación mía. Mirada, tacto y olfato hechos música o sonido que transmuta en visiones, aromas y caricias... ustedes dirán.

Descargar Gaspard de la Nuit por Pascal Rogé

Bandasonoras//Cineteca Nacional

2011-02-16T08:49:00.000-08:00

Desde el 22 de febrero en el Lunario.

Cine silente al estilo del rock.

BandaSonoras inicia en febrero un nuevo ciclo de exhibiciones en el Lunario del Auditorio Nacional, además de continuar en la cartelera de la Cineteca.

El clásico silente seleccionado para dar apertura a esta temporada es La general, filme estadounidense de 1927 dirigido y protagonizado por Buster Keaton, que será musicalizado en vivo por el Ensamble Swing Gitan.
Martes 22 de febrero, Lunario del Auditorio Nacional, una sola función, 20:30 pm.

Programación:

Dr. Fanatik//22 de marzo//Fausto (F.W. Murnau, 1926)

Steven Severin//19 de abril//La sangre de un poeta (Jean Cocteau, 1930)

Sax… Son//24 de mayo//Berlín: sinfonía de una gran ciudad (W. Ruttmann, 1927)

The Skonek-T//28 de junio//El jorobado de Nuestra Señora de París (Wallace Worsley, 1923)

Troker//26 de julio//El automóvil gris (Enrique Rosas, Joaquín Coss y Juan Canals de Homs, 1919).

Para mayor información consulta: www.cinetecanacional.net

Jazzuela (2001)

2011-02-15T08:21:00.000-08:00

Siempre es difícil imaginar a Julio Cortázar sin acariciar a Teodoro el gato.

Es mucho más difícil tratar de entender a Horacio Oliveira, deambulando por las calles frías de París –buscando a La Maga, recorriendo hoteles viejos, burlándose de todo, criticándolo todo, acostado mirando el techo mientras se calienta el café en una pequeña habitación en el barrio latino– sin que los sonidos del jazz inunden las páginas de Rayuela. Mientras uno va siguiendo los vaivenes linguísticos y narrativos de la obra del cronopio mayor, los giros musicales de Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins, Bessie Smith, Coleman Hampton o Duke Ellington acompañan la lectura de la novela. De salto en salto, del lado de allá al lado de acá, de capítulo en capítulo Cortázar hace con Rayuela una partitura improvisado con palabras un texto al mejor estilo del jazz. Brillante conjunción de la literatura y la música.

En 2001 Pilar Peyrats Lasuén publicó los resultados de sus búsquedas musicales en esta gran novela latinoamericana, bajo el título de Jazzuela. Julio Cortázar y el jazz.

Descargar Jazzuela

Publicado por Peco

Goodfellas (1990)

2009-08-22T14:38:00.000-07:00

Excelente banda sonora para una de las mejores películas de gansters. Entre vendettas y asesinatos en parajes desolados, callejones obscuros o bares, se van colando las rítmicas notas de las baladas estadunidenses que han marcado toda una época. Contrapunto interesante entre los hechos y las atmósferas sonoras. Fusión ya nada novedoso, hay que decirlo, lo que sí ha logrado es establecer todo un género, posiblemente el del cine noir contemporáneo. De la mano de Martin Scorsese desfilan músicos como Tony Bennett, The Moonglows, The Cadillacs, The Chantels o Derek And The Dominoes. Para el gusto, dos muestras.

Descargar Goodefellas soundtrack

Publicado por Peco

Vámonos con Pancho Vilchis!!!!

2009-07-06T11:25:00.000-07:00

Siguiendo el tema principal de este blog y después de tanto tiempo de silencio, antes de tener alguna otra estupidez que decirles, quiero invitarlos a la conferencia sobre la música de cine de Silvestre Revueltas que se llevará a cabo el jueves 9 de julio en la sala 34 "Alfredo Bablot" del Conservatorio Nacional de Música. Esperamos contar con su asistencia.

¡Hola! Wall-E (2008)

2009-05-05T19:40:00.000-07:00

¿Cuánto tiempo tiene que pasar para decir basta?... para decir, es suficiente de tanto caminar, de tanto reír, de tanto llorar, de tanto comer, de pasar hambre. Los seres humanos tenemos una capacidad magnífica de construir vetas que beneficien a nuestra raza, al mismo tiempo en que las dinamitamos; tal pareciera que el ser humano está siempre a la vanguardia, buscando constantemente una solución para arreglar lo que no necesita compostura, y lo que necesita ser arreglado, no tomarlo en cuenta y dejarlo como está; encomendando el hecho a un ser supremo que los sobrepase y que los haga sentir seguros al no decirles si sus acciones están bien o mal tomadas, con el sólo hecho de que no les diga nada, asumen una postura mesiánica que, en una paupérrima tergiversación de la historia y sus personajes, toman, a viva voz, la figura del enigmático Maquiavelo, al repetir su famosa frase (que quién sabe si realmente la dijo), “el fin justifica los medios”. Pero… ¿qué pasa si (cual chauvinistas norteamericanos), todo el mundo asumimos esa postura de pretender tomar las riendas del planeta y cada quién hacemos lo que mejor nos convenga, tan sólo por creer que es lo mejor para todos? Creo que la vida, tal como la conocemos, con sus blancos y negros y grises días, dejaría de existir. Y lo peor de todo esto, es que, por más patético que parezca, siento que estos rasgos con los que a groso modo pretendo retratar ciertas acciones de la humanidad, son características que, en mayor o menor grado, forman parte de la conducta humana y retratan su travesía por el Planeta Azul.
Eso es justamente lo que les pasó a los habitantes de la tierra, en el filme animado de Disney “WALL-E”. Los que, en un afán desesperado por buscar nuevos medios de comunicarse entre sí, se fueron haciendo de una sofisticada tecnología, que no hizo más que sacarlos a vivir al espacio exterior, al destruir la naturaleza, dejando un mundo gris y sucio, pero con una eficiente tecnología de punta. ¿Cuál se supone que debería ser el sonido que acompañe a esta película? Si bien es cierto que en las escenas más álgidas, las sonorizan al compás de todo un ejército de instrumentos, que combinan sus cuerdas y vientos clásicos, con un sinfín de sonidos de “tecnología”, sonidos grises, blancos y negros, sonidos minimalistas; también, es interesante destacar esta nomenclatura que, encaja muy bien con el tema, y aunque es difícil distinguir los sonidos ambientales de entre la rapidez de la trama, en numerosos momentos, la música pasa a un segundo plano, ofreciéndonos áridos sonidos de silencio, propios de una tierra sucia, llena de basura y sin humanos, que tal como los plantean en la película, constituyeron la mayor de las suciedades. El presente trabajo, es obra del director Andrew Stanton, quien a su vez, hizo el guión. La música es autoría de Thomas Newman. La historia se remonta a un futuro lejano, en donde la tierra, a causa de un exceso de contaminantes, deja de estar habitada por humanos, quienes ahora, se ven obligados a vivir en una nave espacial, en un estado poco más que sedentario. WALL-E (abreviatura de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class), uno de los robots encargado de limpiar la basura, se enamora de una robot enviada a la tierra (EVE) en busca de vida vegetal, que demuestre la habitabilidad que de nuevo caracterizaría al planeta. Es un buen trabajo, bien hecho y con un buen mensaje que nos da la opción de marcar una nueva era en las comunicaciones entre humanos, comunicación de punta que no cuesta nada, que bien puede comenzar con un simple hola, que quizás, de entrada no tenga una mayor trascendencia, además de un saludo, pero ese saludo, esa interacción propia de humanos, a la larga, puede marcar una gran diferencia en la historia de la humanidad, que nos de la opción de percatarnos de nuestro presente, y si por el camino por el que vamos es el correcto, dándonos el tiempo de replantearnos la interrogante de, ¿cuánto tiene que pasar para decir basta?… para decir, es suficiente de tanto caminar como máquinas, y ponernos a interactuar como lo que somos, como seres humanos.

Por Neif

Descargar Wall-E soundtrack

Explosión de amor (2006)

2009-03-12T19:10:00.000-07:00

Desde hace mucho, pero mucho tiempo, un pueblo fue elegido por el Todo Poderoso, para vivir en libertad y armonía, fuera de las murallas que, en Egipto, representaban una prisión para ellos. Ese pueblo fue liberado, comenzando un interminable deambular, que hasta la primera mitad del siglo XX, logró establecerse en tierra santa, lugar del que hacía miles de años, fueron expulsados.
Después de la Primera Guerra Mundial (1914-18), los británicos en agradecimiento al constante financiamiento que les otorgó el pueblo judío; intervinieron ante la Sociedad de Naciones para partir el estado de Palestina en dos, dándole, al fin, una presencia nacional, al pueblo judío. En 1947, las Naciones Unidas aprobaron la partición, y el 14 de mayo del año siguiente, el estado israelí declaró su independencia. Este hecho, evidentemente fue acompañado de un acre conflicto entre el pueblo árabe y el israelí, deviniendo en una guerra, que se libró en 1948. Bajo el argumento árabe de que los judíos, no habían respetado la frontera delimitada por las Naciones Unidas. Este ha sido, a groso modo, el conflicto acérrimo entre estos dos pueblos, y la principal causa de muerte y atentados que se disputan de manera frecuente. ¿Qué podría pasar si… por casualidad, karma compartido o algún capricho o broma pesada de su Dios, el destino o la propia vida, un par de individuos de estas dos naciones se enamoran? Es casi una típica historia Shakespireana, un Romeo y Julieta contemporáneo en tierra santa. Lo cual, ya contiene en el hecho, un grado de dificultad. Ahora, ¿qué pasaría, si estas dos personas que se enamoran son hombres? La cosa se vuelve extremadamente peligrosa, casi suicida. Pues este es el contexto literalmente, en el que se desarrolla el magnífico filme del joven director estadounidense Eytan Fox, titulado Ha-Buah, o, mejor conocido en México como, Solos Contra el Mundo. Con un cómico, y en ocasiones, irreal guión, escrito por Eytan Fox y Gal Uchovsky, debido a la ligereza en que los personajes tratan conflictos políticos, que difícilmente se pueden plasmar tan a la ligera. El presente material, fue presentado el 29 de junio del 2006 en Israel, y no fue sino hasta el 1 de agosto del 2008, que conoció tierras mexicanas. La historia se desarrolla el Tel Aviv, en época actual, mostrando los conflictos de un amor doblemente prohibido. Bien sea por su condición homosexual, como por sus añejos conflictos entre naciones. La trama se desenvuelve de manera ágil y divertida, mostrándonos facetas del mundo árabe y del israelí, que si bien, son muy conocidas y estigmatizadas, como la guerra, otras que son frescas y divertidas de la vida diaria de un grupo de amigos que comparten un apartamento. A través de ellos, podemos ver nuestras similitudes como jóvenes, así como también, las terribles diferencias que, de manera cotidiana, marcan su juventud, y la manera en que viven su sexualidad, en una tierra tan llorada. A la cual, pretenden aligerar su estigma político, por medio de mensajes de paz, amor y fraternidad a través de dos extremos, un tanto utópicos, del amor entre los personajes principales, que si bien, es poco probable, no podemos llamarlo imposible, ya que si el odio que existe entre estos dos pueblos, a encontrado maneras tan sutiles de manifestarse, como lo puede ser, una mirada de desdén; no podemos negar la posibilidad, que de entre esas miradas, pueda surgir alguna que denote, extrañes y curiosidad por el otro, una actitud amable, y quizás, por qué no, una empatía más profunda e inocente, capaz de dejar a un lado sus conflictos, de derrumbar fronteras.

Por Neif

Broken Flowers (2005)

2008-12-08T07:41:00.000-08:00

Disculparán que me vista de ausente, pero andar en los terrenos de la imagen le quita a uno mucho tiempo... todo el tiempo. Esta mañana que revisé el blog me dieron ganas de dejarles algo suave, sabrosón, especial y buena onda. La respuesta a tal impulso es la banda sonora de Broken Flowers, del aclamado Jim Jarmush, excelente director estadunidense que se ha dado a la tarea de retratar el mundo estadunidense que vive por debajo del celofan, el glamour y el aún palpitante American way of life....
Entre la particular variedad de intérpretes que forman el disco, aparece una delicada voz que interpreta dos grandes canciones: "There is an end..." y "Tell me now so I know". Estoy hablando de Holly Golightly, cantante inglesa casualmente homónima de la inocente, astuta y vanidosa personaje de ficción creada por Truman Capote. Golightly no sólo es intérprete de rythm & blues y rockabilly, sino de grandes sonidos con el estilo de los años 60. El soundtrack de Broken Flowers es un clásico material para usarlo a la hora de encender el motor y hacer de la vida no sólo un cacahuate, sino un road movie.
Échenle un oído.

Descargar Broken Flowers

Publicado Por Peco

De un México a color

2008-12-03T13:36:00.000-08:00

La Segunda Guerra mundial tuvo terribles repercusiones para el grueso de la humanidad. Países que se vieron involucrados directamente en el conflicto fueron terriblemente dañados, y aún, los que no estuvieron tras alguno de los frentes de guerra, sufrieron grandes consecuencias, principalmente económicas. México, en el periodo de guerra 1939-1945, experimentó grandes cambios, como el ensanchamiento de una identidad nacional, que años atrás había intentado consolidarse con la Revolución Mexicana; el fortalecimiento de la moneda; el incremento de vías de comunicación, tanto ferroviarias como automovilísticas, y la alfabetización del pueblo mexicano, por nombrar algunas.
Todo esto trajo consigo la proyección de un México al alcance de cualquier país de corte primer mundista. El cine que comenzaba a dar sus primeros pasos a nivel sonoro, luchaba por ganarse un buen lugar en la aceptación del público nacional y extranjero, ayudado por personajes que hablaran de esa nueva mexicanidad que se estaba fraguando con los presentes cambios, pero sin perder sus primigenias raíces. Es ahí cuando cómicos de carpa, personajes del barrio que se habían criado en él, sin más escuela que la propia vida, dieron un salto cualitativo a la pantalla grande para cimentar una imagen de un México de oro, que hasta el día de hoy nos identifica en toda Latinoamérica y en el resto del mundo. De esas nuevas luminarias, el mejor ejemplo al que podemos recurrir como muestra del cariz cómico, ágil y divertido de aquéllos años es a nuestro querido Mario Moreno Cantinflas, quien haciendo acopio de sus sólidas tablas carperas, logró inmortalizarse en el filme Ahí esta el detalle, obra que en su más prístina concepción, fue fruto de las declaraciones del criminal Álvaro Chapa, y que tiempo después inspiraría al escritor Juan Bustillo Oro para la realización del guión de dicho filme. Cabe destacar que pese al desbordado talento que caracterizaba a una estrella como Cantinflas, su éxito en este trabajo no se lo lleva por sí mismo, ya que al estar acostumbrado a la improvisación, que distinguía a los cómicos de carpa, le era difícil acoplarse a cualquier guión, que limitase su capacidad creativa, misma que demostraba a través del lenguaje. Fue así, con la ayuda de un cómico y bien estructurado argumento, aunado a una buena dirección por parte de Bustillo de Oro, que Cantinflas pudo debutar como actor en la pantalla grande, sin perder su peculiar sentido del humor.
El filme de alrededor de 110 minutos, grabado en blanco y negro, nos muestra una época dorada que fue fiel testigo de la estabilidad y crecimiento que el país gozó durante alguna época; nos habla de un México más sano, más inocente, más vivo. Con la ayuda de un argumento sencillo, y una escenografía mínima, Ahí esta el detalle, es una muestra fehaciente, que la visión del México de los años cuarenta, estaba llena de colores, aún cuando sus filmes, mantuvieran el sombrío blanco y negro que bien pudiera hablarnos del México que en la actualidad, intenta sonreír.

Por Neif

Blade Runner (1982)

2008-10-12T13:29:00.000-07:00

Algunos soundtracks tienen vida propia... Si uno recuerda la innolvidable cinta Blade Runner, no sabe a bien cómo fue la música; lo visual es muy claro y grave, emotivo y efusivo; fuerte, pues. Pero cuando uno, a solas con el disco, decide concentrarse en lo sonoro, se sumerge en una atmósfera muy particular; aparecen mundos que, acompañados de la película, no se hubieran vislumbrado. El álbum establece varios momentos dramáticos, y claramente delimitados. La primera parte es una entidad propia, en demasía seductora, soft, cachonda; la que más me gusta y, a mi gusto, la mejor creada por Vangelis. La segunda apoya más claramente la diégesis y es más ambiental, cinemática y electrónica. El final –no voy a decir más–, como en la película. Un fascinante material que permitió, en una época aún temprana no sólo para el cine o para la composición sonora, elevar el pensamiento mismo. Que se transporten!

Descargar Blade Runner Soundtrack

Publicado por Peco

Pito Pérez anda suelto

2008-09-29T17:59:00.000-07:00

“Si yo tomo es porque soy amigo de la verdad y me gusta embriagarme para decirla”; esta es la frase que distingue a un Pito Pérez valiente, soñador y bohemio que decide, mediante frases ágiles, inteligentes y llenas de humor, enfrentar a una sociedad inamovible, hipócrita y gris. Repleta de grandes terratenientes que, temerosos de perder sus riquezas con los cambios tan acelerados en los que se había desarrollado la vida política del territorio mexicano a principios del siglo XX, luchaba por consolidar una nación.
Lucha que las constantes traiciones políticas, y la imagen de un clero tan arraigado en la vida del pueblo, estaba lejos de ser ganada.
A principios de la primera década del siglo XX, México se encontraba en una constante sumisión que había dejado como resultado, los más de treinta años en el poder, de la dictadura del general Porfirio Díaz. En 1910 el político y portador de nuevas ideas de gobierno, Francisco I. Madero, con ayuda de un grupo de intelectuales y del pueblo, deciden levantarse en armas y proclamar un grito de protesta que se oiría en los próximos diez años, y que lleva por nombre La Revolución Mexicana.
El país tenía nuevas esperanzas, el pueblo tenía nuevos sueños, la tierra tenía nuevos dueños; ergo el país creció fuertemente, la moneda se consolidó, la justicia era justa y ha seguido siéndolo hasta la fecha, los niños crecieron fuertes y sanos, todo mundo tuvo acceso a una bonita casa, a un noble caballo que con los años se convirtió en un auto, a una mascota, y todos vivieron felices. No… creo que así no fue la historia, digo, en verdad esto no es algo nuevo, es algo que ya se sabe, y es que los malos siempre ganan, los pobres siempre pierden, la verdad no siempre es la vencedora, la justicia es ciega. Entonces… recapitulemos, ¿el pueblo estaba sometido? Sí, es verdad el pueblo estaba sometido e inconforme; ¿hubo una dictadura de más de treinta años? Sí la hubo; ¿Hubo un grupo de intelectuales que intentaron cambiar el México de la época por uno más justo, encabezados por Francisco I. Madero con ayuda del pueblo? Sí los hubo también, pero Madero fue asesinado, por… por… pongamos un nombre cualquiera para no levantar represalias ni enojos en los familiares del supuesto asesino; pongámosle por nombre Vicky, Victoria, Victoriano, y de apellido pongámosle Huera; sí, ya lo tenemos Victoriano Huera. Y el país se comenzó a hundir de nuevo, cierto es que la Revolución duró algunos años más, pero el orgullo de la gente ya había sido burlado, las lágrimas desperdiciadas y la risa acallada. Es precisamente, en momentos como estos en los que nacen personajes como Pito Pérez, que ante el terrible asco que les provoca la sociedad en la que están inmersos, prefieren echarse a reír, y ser tomado por locos, que vivir en un mundo ciego y gris, lleno de gente-ganado, sobria y aburrida, mocha, que no sabe más que aprenderse y hacer una letanía de su vida, un par de frases lastimeras que los mantengan con la mirada gacha, con unos cuantos metros de tierra, con los huaraches sucios, y el sueño olvidado y caduco de un México mejor.
“Si yo tomo es porque soy amigo de la verdad y me gusta embriagarme para decirla”.
Ahora comprendo la famosa frase de Pito Pérez, ahora entiendo su locura, su inconformidad, lo poco que encajaba entre los suyos, su apego a la muerte, sus ganas de vivir. Desalineado bebedor inspirado por un deseo embriagado de amar, de soñar con un México mejor, de creen en una sociedad más sana y llena de ilusiones, de amor y de esperanza, llena de tierra propia, de un pan nuestro, de una ciudadanía de todos.
Ahora comprendo la excelsa frase del poeta, que en un hetilizado grito de locura, nos conmina a vivir, a beber y a divertirnos.
Porque mientras haya un loco en esta sociedad, o en cualquier otra que le cante al amor, y a la verdad, y a la justicia y al buen vivir, habrá un Pito Pérez rondando por las calles, por las avenidas, por los campos hasta llegar al corazón de la gente, y anidar en él, como una cosquilleo, como un sueño, una premonición.
Porque mientras haya un hombre que deseé ser libre, habrá un Pito Pérez, que le diga cómo.

por Neif

Del terror a lo feo (2007)

2008-09-19T14:13:00.000-07:00

La apertura que la tecnología nos va dando para hacer realizables diversos proyectos que requieran un cierto grado de sofisticación tecnológica, ha ido en aumento cada día más. Haciéndonos más alcanzable, realizar un cortometraje, la edición de una canción, o cualquier otra actividad por el estilo; de hecho, esa facilidad ha animado a nuevos creadores a realizar proyector como El proyecto de la Bruja de Blair, documentales como los de Michel More, o esta nueva producción española titulada Rec. Me llama un tano la atención y me sorprende que en España se comience a utilizar cierta técnica del terror psicológico a la manera gringa, parea poder acomodar un material como este, en los grandes mercados mundiales. y lo considero una lástima, ya que con anterioridad, España había estado realizando filmes de muy buena calidad, y lejos de comparación a cualquier película norte americana. La película de Rec, de los directores Jaume Balagueró y Paco Plaza, está llena de sonidos incidentales que le dan un matiz de real bastante peculiar; el filme nos habla de una epidemia que termina por contagiar a toda una serie de personajes que por diversos motivos se encuentran en el mismo edificio, la técnica que con la que está filmado simula es en un estilo video-reportaje. Con sonidos incidentales, al igual que los diálogos. Desafortunadamente, ni los unos ni los otros nos aportan nada nuevo, el tema está bastante trillado al igual que los diálogos, y algunas de las actitudes de los personajes. Cierto es que Rec más allá de proponer una nueva técnica de hacer cine, es un mensaje social que intenta acallar los constantes brotes de racismo que se han generado últimamente en España. Por desgracia el cine no solamente es educativo, sino una manera de expresión artística que se compone de muchos factores técnicos, de los cuales, por desgracia, despuntan muy poco en este presente trabajo.

por Neif

Nos amábamos tanto

2008-09-09T08:52:00.000-07:00

En la década de los años setenta Europa fue sacudida por grandes acontecimientos, en particular el año de 1974 causó gran revuelo en el viejo continente. Algunos de los sucesos más importantes fueron: la crisis petrolera que hizo escasear el combustible a todos los autos de la Unión Europea, a raíz del conflicto árabe-israelí; la creación del Fondo Europeo de Desarrollo Regional, por parte de la CEE; la caída del régimen de Salazar, en Portugal; y en Italia Ettore Scola presentaba una de sus obras maestras titulada C'eravamo tanto amati (Nos amábamos Tanto). Filme que en 125 minutos, logra transmitirnos todo un universo con ayuda de una narración ágil, divertida e innovadora. La historia cuenta la vida política de Italia desde finales de la Segunda Guerra Mundial, el régimen de Mussolini, hasta llegar a una Italia más democrática que lucha por salir lo mejor librada de las revoluciones ideológicas que intentan replantean el mundo de mediados del siglo XX. La historia, es conducida a través de la vida de cuatro inseparables y revolucionarios amigos (Gianni: Vittorio Gassman, Nicola: Stefano Satta Flores, Luciana: Stefania Sandrelli, Antonio: Nino Manfredi), quienes ven confrontados sus ideales, al cabo del tiempo, del amor, de la amistad y de un sentimiento revolucionario en común que los lleva a intentar hacer un mundo mejor. La exquisita trama te va llevando al compás de canciones de protesta que se intensifican de acuerdo a la acción, volviéndose una parte importante de la escena, aunque también, hay momentos en que la escena no contiene música de protesta y no por eso se traiciona la trama, Armando Trovaioli, quien se encargó de la música, tuvo el tino de hacer evidente una narración alterna a lo largo de toda la película; narración sonora que va desde música incidental, hasta las canciones de protesta, de modo que siempre tenemos un fondo musical que nos colorea la pantalla, aun cuando una buena parte del filme sea en blanco y negro, y al mismo tiempo tiene la maestría de ponernos una pantalla gris, cuando la escena fue hecha a color. La música va haciendo la trama, a la vez, que una serie de sucesos la van descomponiendo y volviéndola a armar, para demostrarnos que la vida es un segundo, instante que se compone de un acto heroico, cómico o estúpido, revolucionario o cobarde. Circunstancias que experimentamos a diario, y la sumatoria de estas, y el lado hacia el cual nos terminamos inclinando se va efectuar cinco segundos antes de nuestro último suspiro. Pero de todas las utopías que lleguemos a plantearnos y replantearnos en nuestras vidas, realizables o no, sean estúpidas, valientes o revolucionarias e intrépidas; hay una especie de membrana que nos ayudará a llevarlas a cabo, a protegernos a nosotros mismos y a los nuestros…. Ese caparazón con el que nos aventamos a la vida, es el amor, y la sinceridad con que veamos a la cara a éste es la certeza de que por más loco que sea nuestro sueño, hay una posibilidad de intentarlo, ya que el amor mismo es una utopía que vive en cada uno de nosotros.

publicado por Neif

¡Despabílate amor!

2008-09-03T20:41:00.000-07:00

El “No”, se interpreta la mayoría de las veces como una negativa, quizás como una falta de voluntad, de ánimo, de decisión. Pero pocas son las veces en que nos damos a la tarea de reflexionar sobre un “No” que denote una afirmación, una luz, una esperanza. El “No” afirmativo es por antonomasia el “No” del soñador, del poeta, de ese ser que por alguna extraña negación al tiempo, a la modernidad, a la muerte, alza la voz para decir: “No” a la alienación, “No” a la guerra, “No” a la falsa libertad de expresión, “No” al autoritarismo, “No” al vacío, “No” al vértigo, “No” a la negación de un “No” trascendente, combativo, torero.
Y entre afirmaciones negativas y negaciones que nos afirman y nos hacen creer y aferrarnos a nuestras raíces y a lo que somos y a lo que no queremos ser; el hombre se ha desenvuelto a través de cruentas batallas a lo largo de su historia. Miles de voces se han alzado a favor de la libertad, tantas como han sido acalladas a favor y poder de unos cuantos. ¿Cuántos se han marchado y a qué precio? Es precisamente cuando, haciendo un acto de reflexión, me detengo a valorar los afectos, que por medio de diversos materiales artísticos, numerosos creadores se dan a la tarea de darse a escuchar. Filmes como los de Eliseo Subiela, invitan a compartir la magia de un realismo mágico latinoamericano que aun no está perdido; películas como
El lado oscuro del corazón, No te mueras sin decirme a dónde vas o Despabílate amor; por nombrar algunas, forman parte de una realidad alterna que sale de la pantalla para meterse en nuestros corazones y recordarnos que mientras haya un “Aun no”, todavía hay esperanza, todavía hay sueños, todavía hay vida, todavía hay amor.
En particular, el filme de Despabílate amor es un despertar en sí mismo que te lleva de la mano por medio de distintos momentos de la vida del personaje principal (Ernesto), de su primer amor, de los momentos más críticos de la vida política de Argentina en el siglo XX. Al ritmo de los poemas de Mario Benedetti, y de una exquisita selección de rolas de los años sesentas y setentas; leyendas como Elvis Presley, Leonardo Favio, Juan “Tata” Cedrón, y una excelente selección de música bachiana de chelo, que en un ir y venir nos van llevando y trayendo entre recuerdos de épocas pretéritas hasta bien entrados los años noventa, años en los que desenvuelve la película, que al ritmo de pasos acalorados y versos libres, nos hace detener el tiempo para decirle un “Sí” a la vida, al arte, al amor, un “Sí” alejado de la muerte, de la inadvertida soledad del prójimo, del cansancio y de la sinrazón.

Publicado por Neif

El cristal encantado (1982)

2008-08-29T18:53:00.000-07:00

A mi padre, Alfredo

Cae una lluvia pertinaz tras la ventana. Los vehículos que pasan frente a ella se deslizan lentamente para incrustarse en el tráfico de esta noche de viernes. La película que se anima en la computadora finalmente se hace sola; edito un poco, otro poco es ella misma...

Una vez mi padre me llevó al cine. De las tantas ocasiones en que asistimos, rememoro una cinta documental que trataba sobre la supervivencia de un hombre en el ártico (no lo sé de cierto, quizá la recuerdo así porque me gustan los documentales). Grandes paisajes níveos con planos acompasados y lentos que fielmente hacían sentir la soledad y las distancias. Llega también a mi memoria la única película animada que vi en mi infancia y que me dejó marcada una profunda sensación de plenitud, pero también de magia y de ansiedad, mucha ansiedad por hacer o tener o creer en algo, en no sé qué. Fue hace 26 años... y desde hace veintiseis años he tenido esa necesidad de algo, de saber la existencia de un mundo más allá de este, que conjunta la unidad del Universo o simplemente la historia de alguien, un pasaje o pasatiempo; Sabato le lama el Absoluto. El asunto es que en esta noche de viernes en la que cae una lluvia pertinaz tras la ventana, acabo de ver esta película, El cristal encantado, y recuerdo a mi padre y recuerdo permanentemente la voz ronca de los monstruos místicos elevándose hacia el cielo, como si eso fuera lo único que se hubiera quedado en mi recuerdo... el Absoluto.

La película es de Jim Henson y Frank Oz, el soundrack, de Trevor Jones. Les dejo el link de la banda sonora. Un abrazo.

Descargar sooundrack El cristal encantado

Publicado por Peco

Aliento de vida

2008-08-28T18:30:00.000-07:00

El género documental es muy extenso y en los últimos años se ha incrementado debido a que muchos de sus realizadores tienen el tino de anteponer el contenido a la forma. Esto es, que teniendo un buen tema aunado a una estructura narrativa visual que lo sostenga hasta un desenlace, no importa del todo la calidad de la imagen, ya que bien puede estar grabado con un teléfono celular, con una V8, o con una cámara de 35 milímetros. Supongo que la simpleza técnica para narrar algo a través de imágenes es uno de los pros o los contras que tiene la posmodernidad; pero no por este facilitador que la tecnología nos da, vamos a dejar de lado los anteriores trabajos documentales de los setenta, ochenta y principios de los años noventa, década importante para el mundo debido al la caída del Muro de Berlín; situación que cambió el rumbo de la humanidad y, en cuestión de imagen, abrió grandes posibilidades temáticas y narrativas en el lenguaje cinematográfico. Uno de los documentales que más tuvo relevancia al la caída del muro, fue Baraka, del director Estadounidense Ron Fricke, quien en 1992 se propuso la realización de un trabajo con ambiciones olímpicas: abarca varios temas, como son la guerra, la pobreza, la religión, la ciudad, el trabajo, la naturaleza y el hombre: una cosmovisión del mundo que nos rodea. Baraka es una palabra de origen Sufi –comunidad religiosa de corte islámico– que significa “aliento de vida”. Y ese mismo significado el compositor Michael Stearns lo retoma en un sentido literal para acompañar al espectador a lo largo de los 92 minutos de duración. El documental toma randes bríos con la innovadora estructura con la que está narrado, una constante e ininterrumpida musicalidad que nos obliga a reflexionar ante el maravilloso misterio de la creación, de la cual el hombre, ya sea para su preservación o extinción, tiene un papel importante.

Descargar Baraka soundtrack

Publicado por Neif

ANIMA, un filme de Jérémie Laurent

2008-08-24T11:52:00.000-07:00

El siguiente trabajo se trata del primer filme de un promisorio director francés de nombre Jérémie Laurent.
En este cortometraje retoma algunos mitos del mundo violinístico y los liga todos a través de un pequeño elemento escondido a las miradas cotidianas: el alma del violín, un pequeño cilindro de madera que une las dos tapas principales del instrumento.
Nathan Broffman es un violinista de renombre que acaba de adquirir, después de 10 años de espera, un violín muy especial que lo llevará a los extremos mas oscuros: el violín encantado de Guarnerius del Gesù.
Jérémie Laurent, con la formación de violinista que tuvo durante su infancia, les da un enfoque fantástico a las psicosis que se generan a través de la relación profunda que existe entre el músico y su instrumento, los cuales llegan a parecer por momentos hechizos diabólicos.
La música del filme comprende algunas obras del gran repertorio para violín como el "Zigane" de Maurice Ravel o el "Poema" de Ernest Chausson, pasando por extractos de Bach o Ysaye; completa la atmósfera de la película la música original de Benjamin Laurent.

Anima trailer

Publicado por cellofan & co.

El cine como un testigo silencioso del espacio geográfico

2008-08-19T20:47:00.000-07:00

Es inevitable no percibir un contexto geográfico y cultural en cada manifestación artística del ser humano. En sus cantos, en libros, piezas teatrales, películas, programas de radio, etc. todas ellas hablan del tiempo en el que están siendo concebidas y no de otro. Incluso, cuando un escritor piensa en una obra futurista, acopla su presente a un contexto futurista, más no puede concebir algo de lo que al menos no se haya hablado en su época. Por ejemplo, si piensa en un monstruo hecho por computadoras malévolas que tienen como fin la destrucción del hombre y la apropiación de los recursos naturales del planeta. Es porque en su época, ya se ven esos problemas que con un poco de imaginación, ignorancia y tiempo, el hombre llegará a hacerlos más atroces hasta e irreversibles. En esto es en lo que seguramente estaba pensando H.G. Wells cuando escribió la Guerra de los mundos a principios del s. XX. En el filme de El nacimiento de una nación, de David W. Griffith, en 1915; nos habla de problemas raciales, en la joven nación de los Estados unidos, la poca población sureña en el siglo XIX y el significado de la tierra para el grupo de color esclavizado, y al la vez, nacionalizado por accidente y deseoso de pertenecer a su nuevo hogar como ciudadanos. Un logro considerable que podemos destacar del trabajo de Griffith, fue el haber pensado la trama, acorde al la música con la que se iba a acompañar; una muestra más de la imaginación fecunda del creador, y que lo hizo ser el primero en hacer un soundtrack en la historia del cine. Otro excelente filme silente titulado El gabinete del Dr. Caligari, dirigida por Robert Wiene, en 1920, que a pesar de ser de una “realidad” expresionista, característica por una serie de matices de corte psicológico, hace una denuncia que se manifiesta en la posguerra, acerca de los conflictos que el mundo vive en su momento. Wiene no necesitó del sonido para hacernos sentir los efectos psicológicos que dejan huella después de una guerra; en vez de eso, se apoyó en las imágenes expresionistas que por sí mismas constituyen un lenguaje. Toda manifestación humana, está impregnada de un contexto cultural, y ese contexto cultural nos lo da el lugar en el que habitamos y en todo lugar en el que habita el hombre está latente y manifiesto un espacio geográfico.

Publicado por Neif

La música del idioma en el cine

2008-08-14T08:17:00.000-07:00

Tal vez porque desde muy niño casi todas las piezas de cine que vi tuvieron un fuerte impacto en mí al grado de querer pertenecer a ella, de formar parte de su historia, de encarnar alguno o algunos de sus personajes, tal vez por ésto prestaba atención especial a reproducir en mi juegos infantiles, con el mayor detalle posible, los diálogos y monólogos que aparecían en la obra, la cual veía una y otra vez hasta conocerla en cada detalle.
Tal vez porque desde chico he estado acostumbrado a reconocer en las diferencias, en las variaciones del sonido significados más allá de lo que para muchos son solo palabras, diálogos. Gracias a ésto, allí donde otros veían aburridas conversación yo oía sinfonías, cuando muchos se impacientaban con los diálogos yo podía disfrutar el contrapunto de ideas expresadas cada cual con sus matices sonoros, allí donde muchos ven absurdos soliloquio yo me veo a mi mismo en escena vertiendo mi locura sonora sobre los que asisten al espectáculo y quedan, por lo tanto en la necesidad de tomar una decisión entre dos opciones: o dejan la sala o se permiten quedar a expensas de mi, de lo que la obra a través de mi y yo a través de la obra pretendemos decirles.

Tal vez por todo lo anterior me es imposible concebir una obra despojada de su idioma original. Es cierto que los subtítulos pueden "ensuciar" un poco el panorama visual, pero la intromisión no resulta tan grave en, proporción, a realizar el doblaje de toda la película. Hay varios cineastas que se caracterizan por lo puntillosos y acertados que son por el uso de la música, pero igualmente creo que así como tienen la sensibilidad elegir cual pieza musical sería más adecuada para tal o cual circunstancia o significado que se desee plantear, igualmente creo que estos cineastas trabajan los diálogos y sus entonaciones para lograr mezclarla en el ambiente visual y musical de la obra, y más allá, para acentuar lo que se pretende decir o, lo que es más aún, expresar ideas paralelas a veces contrastantes, irónicas o a veces paradójicas. Un punto interesante en esta cuestión de las lenguas es que en realidad cada idioma tiene su manera particular de impostar naturalmente la voz, lo cual le da un color vocal particular que puede ser aprovechado para beneficio de la estética de la obra.
Entonces, así como en nuestras vidas somos capaces de interpretar los silencios que se provocan entre uno y el ser amado o en una tertulia entre grandes amigos de esas que estremecen los fundamentos de nuestro ser, así les invito yo a poner seria atención al trabajo enfático que se hace en los diálogos y monólogos de una obra cinematográfica. La lengua hablada en un filme nos revela más aún de lo que podríamos imaginar. Nos da claves para desentrañar los misterios de una cultura, nos permite conocer a que suenan "realmente" las imágenes que observamos, nos permite ponernos en contacto con formas nuevas de pensamiento que, si estamos suficientemente dispuestos, se quedarán como sellos en nuestra sensibilidad, acercándonos más al hombre universal, a un profundo entendimiento del otro. Cada quien habla su idioma y con sus matices, aún en nuestro mismo país, aún nuestra misma lengua. Muchos problemas han surgido de esta diferencia: casi siempre se pretende que el otro hable en nuestro idioma, piense como nosotros, se vea como nosotros. Incluso, al decirles todo ésto percibo en lo mas profundo de mi ser la tentación incitarlos a pensar o sentir como yo. En efecto, si ustedes cedieran esos aspectos de su persona perderían una gran parte de lo que los identifica como individuos, tal y como la película lo pierde al cambiarla de una lengua de una lengua a otra sólo para evitarse la pequeña molestia de leer los subtítulos.
Pero para no aburrirlos más con mi plática, les comparto algunos pasajes hablados de algunos filmes que para mí han sido significativos. Tal vez esto les podrá dar idea de lo que pretendo decirles. Por favor, no intenten , si no hablan la lengua perfectamente, entenderles al principio, escúchenlos como música, como lo hacemos a veces con nuestras bandas favoritas aún sin distinguir una palabra de lo que dicen (como los de Seattle por ejemplo). Después podrán buscar el significado de las palabras o ver el filme subtitulado o como mejor les acomode. Si conocen la película déjense llevar solo por el recuerdo de las imágenes que estos fragmentos les evocan o simplemente disfruten estos pedacitos de obras que traigo hoy para ustedes.

dialogos y monologos de cine
publicado por cellofan & co.

Bilitis (1977)

2008-08-08T10:49:00.000-07:00

Yo era un crío cuando me acercaba a la colección de discos de la familia y revisaba uno a uno los acetatos que ahí estaban. Mi familia no cuidaba sus discos (yo tampoco) y me daba gusto poner el acetato dentro de su portada, envuelta por su bolsita de plastico para los discos nacionales y bolsita de papel para los importados.
Y ahí, entre esa colección absurda (Shostakovich, Beatles, Meco, Barbara Streisand, Vaselina, Amor sin Barreras, Rulli Rendo) estaba este disco donde en la portada se podía ver a dos chicas desnudas, con los ojos semicerrados, abrazándose.
Guau! Yo no tenía idea de lo que esto significaba, pero la desnudez, los pechos, los rostros de la chicas..... era algo que no podía dejar de ver. En la contraportada, otra chica desnuda, encima de un arbol con las piernas abiertas descansando su cadera en la unión de las ramas... Uf!... demasiada información para un niño de 7 años...
Ya cuando era más grande, pasaron la película no recuerdo si en el Bella Epoca o en el Elektra o en el Pecime y me gustó mucho, muchísimo la imagen; y el audio era una locura. En sí, no hay mucha historia en la película que hizo David Hamilton.
David Hamilton es un fotógrafo que hizo suyo el efecto de “fog” o niebla que fue utilizado en innumerables películas y comerciales hasta el hartazgo durante los 80´s.
Y el soundtrack también fue quemadísimo por las telenovelas y por musicalizadores que los utilizaron para spots de radio, (esto antes de la llegada de Fresh Aire y Mike Oldfield).

Pon el primer track... y como en el segundo 18 di con voz alta y de locutor “Grupo 24 horas Alcohólicos Anónimos” y vas a ver cómo destapas unos recuerdos que no sabías que tenías.

Bájalo aquí

I'm not There (2008)

2008-08-08T10:27:00.000-07:00

La figura de Bob Dylan se presta irremediablemente a la mitologización y al símbolo. Su papel en el imaginario cultural occidental y su vinculación con otras figuras como los Beatles, Joan Baez, el nóbel, la poesía del siglo XX, Dylan Thomas, la mariguana, los sesenta, terminan por crear un símbolo de la cultura de múltiples dimensiones. En los últimos años ha habido dos incursiones cinematográficas sobre este mito. El documental de Martin Scorcese y I’m not there. Muchos han criticado esta película por lo oscura que puede ser y por sus pretenciones de “cine de arte”. Yo no me considero ningún conocedor de Dylan, pero la película me pareció muy sugerente tanto narrativa como visualmente. Y ya hablando del soundtrack, pues se trata simple y llanamente de un merecidísimo homenaje al trovador que se hizo eléctrico. Las colaboraciones son de primera categoría: Cat Power, el vocal de My morning Jacket, Eddie Vedder, Karen O, y un largísimo etcétera. La versión de “Ballado of a thin man” es una patadota, es uno de los bluses más sentidos, oscuros y evocadores que he escuchado en mi vida. Espero que disfruten este post y que podamos redisfrutar de la música y la poesía de una de las figuras más emblemáticas de la contracultura estadounidense.

Download: I'm not there 1
Download: I'm not there 2

Publicado por Rich

Good night, sweet Prince...

2008-08-05T23:30:00.000-07:00

La imagen es: un abismo que se muestra ante nuestros ojos. La música...: las voces que surgen de ese abismo, que claman por nosotros y nos convidan a dejarnos caer en él.

Esta es una manera de explicar la relación entre imagen y sonido.

El día de hoy he tenido un reencuentro con los abismos visuales y sonoros de mi historia, particularmente de mi infancia. Es para mí un día que recordar ya que he tenido la oportunidad de encontrar, justo cuando me estoy coqueteando a cada instante con la muerte, un soundtrack que desde hace muchos años había buscado sin éxito hasta hoy. Regresa a este blog uno de los grandes compositores de música para cine, Ennio Morricone, en su musicalización de la obra Hamlet de William Shakespeare dirigida por Franco Zefirelli (1990), estelarizada por Mel Gibson, Glenn Close, Elena Bonham- Carter y Ian Holm.

Se trata de un soundtrack intenso, muy adecuado a la ambientación del filme, hecha en Inglaterra, que tiene un clima y paisaje muy semejante al de las costas occidentales de Dinamarca donde se encontraría Elsinore, lugar donde se desarolla la acción.

La versión aquí mencionada ha sido hasta cierto punto atacada por la crítica mas yo considero que tiene muchos puntos a su favor entre los cuales se cuenta este soundtrack.

Quisiera hacer mención de algunos temas particularmente inquietantes como son el caso de las dos versiones de "Hamlet" y de "Ofelia", los cuales aparecen sobre todo en los decesos de cada uno de ellos. No puedo evitar, al escuchar estas piezas, el recordar los dos "epitafios", el primero de los cuales es hecho por la reina Gertrudis, en el cual describe a Ofelia caída en el río al intentar colgar la guirnalda de flores que hizo en la cúspide de su locura. La otra escena es la muerte del príncipe Hamlet donde Horacio, su fiel amigo, lo despide tiernamente invocando a los coros angelicales (Hamlet versión 2). La música insisto, resulta muy poderosa en combinación con las imágenes y las situaciones propias de la obra de Shakespeare. Tiene en sí una mezcla interesante de planteamientos musicales que van del romántico en la veta de Wagner o Malher, al post romántico de Richard Strauss, o del modernismo a algunos detalles tomados de las músicas célticas o del teatro inglés renacentista.

Esta fué en aquel entonces (y hoy he descubierto que lo sigue siendo), una de las invitaciones mas poderosas a dejarme caer en el abismo profundo del mundo de Hamlet y sus dudas eternas.

Descargar soundtrack

Y para los escépticos:

Ennio Morricone: Hamlet

Publicado por cellofan & co.

Crossing The Bridge (Istambul Hatirasi)

2008-08-05T09:11:00.000-07:00

Istambul Hatirasi es un documental de Fatih Akin quien, al lado de Alexander Hacke, un importante músico alemán, comienza una especie de experimento en el cual pretenden captar sonidos característicos de la cosmopolita ciudad turca para después hacer un proyecto basados en las grabaciones. Sin embargo, Akin quien se reencontraba con sus raíces y Hacke quedaron fascinados con la variedad y eclecticismo de la música tradicional, folclórica, comercial moderna, urbana y de influencia tanto oriental como occidental que se escuchaba y tocaba al mismo tiempo en cantinas, plazas, barrios, azoteas, antros, programas de televisión y en la radio local de Estambul, decidiendo documentar su aventura y mostrarnos la metáfora de la música que cruza las fronteras en busca de oidos qué habitar para comenzar un nuevo ciclo después de su asimilación, el de su reinterpretación, los sonidos que van y vienen por los puentes que se elevan sobre el estrecho El Bósforo, que parte la ciudad en los lados asiático y europeo.

Descargar (128 Kbps)

Publicado por Fifo

Charles Chaplin: el hijo pródigo del dios Cine y la diosa Música

2008-07-31T10:39:00.001-07:00

Me hubiera gustado citar en el título a las musas correspondientes, pero no existe en realidad una que designe al arte del siglo XX: el cine. En realidad el dios Cine al que me refiero en el título tiene varios rostros, hay uno de ellos cuya presencia e importancia en la historia universal de la cinematografía es indudable: Charles Chaplin. La actividad de Chaplin pasa por sobre la idea que tenemos de él, por lo general interpretando al a veces patético personaje Charlot. Es éste su rostro más conocido. Pero, detrás de éste, existe un Charles Chaplin que funcionaba de maneras muy diversas dentro de sus películas . Tal vez muchos sepan que Chaplin dirigía sus películas (casi todas) y que además interpretaba los roles principales de las mismas, pero una de las partes más fantásticas de él es la de compositor. En efecto, la música de al menos los más grandes de sus filmes fue compuesta por él mismo, pasando después por un proceso de arreglo y orquestación que solía estar a cargo de Edward Powell y David Raskin. En realidad la formación como músico de Chaplin parece haber sido empírica, pero ésto no fue en detrimento de la calidad de sus composiciones. De la música de los filmes de Chaplin se despenden varios temas que tienen hoy por hoy gran valor universal dentro de la música popular y el Jazz, como la llamada "Candilejas" o el maravilloso tema de Tiempos modernos, "Smile". Un aspecto que sí pareció afectarle en algún momento, fue la transición del antiguo cine mudo al cine hablado y con pista sonora integrada. La primera película en la cual se introducen ciertos diálogos y que lleva la pista sonora en la cinta es Tiempos modernos. Aún así, Chaplin conservó en gran medida el antiguo formato, recurriendo principalmente a la mímica y otros recursos teatrales tan característicos de su cine para expresar sus ideas. Fue nominado al Oscar por mejor música original por Candilejas en 1972. Descarga la banda sonora de Tiempos modernos (1936).

Par te 1
Part e 2

Publicado por cellofan & co.

Puesto que a lo mejor no se animan, aquí les pongo unos fragmentos de la música.

Charles Chaplin: Tiempos modernos

Cinema Paradiso (1989)

2008-07-28T10:57:00.001-07:00

Cinema Paradiso es una de las culminaciones sonoras de un hombre que –si se me permite el término– ha construido buena parte de la historia sonora de la cinematografía mundial. Para hablar de él necesitaríamos días y noches de palabras y discos, recuerdos de personajes, tramas y piezas que han quedado en la memoria fílmica. Trompetista y compositor de profesión, Morricone ha consolidado una gran experiencia musical, ya que en su juventud no sólo fue integrante de una banda de jazz e hizo arreglos a canciones pop para Radiotelevisión italiana, sino que se convirtió en arreglista de studio para la RCA, donde trabajó, entre otros, con Mario Lanza. A partir de los años 60 comenzó a crear música para cine y desde entonces ha trazado una carrera prolífica. A él le debemos la creación de numerosas bandas sonoras de los spaghetti westerns de Sergio Leone, la más famosa de ellas el soundtrack para El bueno, el malo y el feo, así como piezas para grandes filmes como La batalla de Argel (Gillo, Pontecorvo, 1965), Saló o los veinte días de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, 1975), muchos de los cuales le valieron como candidaturas al Óscar: Días del cielo (Terrence Malick, 1978), La misión (Roland Joffé, 1986), Los intocables (Brian de Palma, 1987), Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1989), Bugsy (Barry Levinson, 1991), Lolita (Adrian Lyne, 1997). En 2006, este prolífico director italiano recibió el Óscar Honorífico por su contribución al mundo de la imagen en movimiento.

Cinema Paradiso soundtrack

Publicado por Peco

Mirada silenciosa: el sonido y el silencio en las obras de Tarkovsky y Kubrick (parte 2)

2008-07-22T09:33:00.001-07:00

Muchas veces se ha tratado de confrontar los trabajos de Kubrick y Tarkovsky, llegando a generar la idea de que son antagonistas. En realidad, es cierto que ambos pertenecen a mundos muy distintos, separados por la gran cortina de hierro que estaba más allá de lo que ellos podían controlar, pero el punto más interesante, que es lo que puede dar esta impresión, aparece cuando comparamos las formas de utilizar algunos elementos técnicos cinematográficos en sus obras. No pretendo hacer un análisis profundo de estas diferencias, es más, ni siquiera pretendo enumerarlas pero, dentro de esta serie, el tema central es la manera en que ambos cineastas utilizan el sonido o mas bien la música y el silencio. Ya vimos que Tarkovsky señala los puntos más significativos de la obra, en el caso de Solaris, con música mientras que los procesos de formación de éstos se pasan en silencio. El caso de Kubrick, al menos en la película "hermana mayor" de Solaris, 2001: Odisea del espacio y así como en El resplandor, los procesos están acompañados por música y los momentos en que todas las ideas antes expuestas se ponen en tensión y conflicto acontecen en silencio o sólo con algún sonido de fondo o una voz.
El ejemplo más claro de esto es la escena en que HAL, el ordenador que controla la nave que va en misión a Júpiter, es lentamente desconectada por Dave Bowman, el único astronauta sobreviviente en el transbordador. Lentamente, poco a poco y sólo con la voz mecánica e inexpresiva de HAL y el zumbido producido por la nave como ambientación sonora, la computadora es desconectada a pesar de las súplicas. Las ideas planteadas durante toda la película se ponen en cuestión y queda finalmente al ser humano el tomar la decisión de sobreponerse o no a su misma obra y a lo desconocido, que se encuentra en el monolito, en Júpiter o más allá. HAL teme acerca del éxito de la misión que se le ha confiado (o pretende hacer creer que lo hace) y suplica mientras que se ve reducido hasta su estado mas primitivo, casi infantil, perdiendo la malicia que había mostrado anteriormente. Después de la pequeña canción (después de todo, aquí Kubrick también recurre a la música como elemento vital) HAL es desconectado por completo y una grabación programada nos regresa al conflicto que se creía ya resuelto: los alcances del hombre en el conocimiento y control del universo (o de sí mismo) . Todo ésto pasa en el silencio, o mas bien, en la ausencia de música la cual sí está presente durante el resto del filme. De esta manera Kubrick nos mantiene durante toda la cinta en la cuerda floja, en la incertidumbre total y nos hace tocar piso y reposar durante unos momentos en esta escena que describo (el reposo de la contundencia del pasaje: HAL es desconectado por completo) para después regresarnos a la tensión constante que nos había aplicado durante todo el resto y, al final de la cinta, lo que nos da un poco de alivio es el mantener la duda abierta, pero no es la duda, claro está, lo que nos da el reposo, sino el llegar a un punto de referencia ya conocido y recurrente en toda la película: el regreso del "Así hablaba Zaratustra" de Richard Strauss. El uso de la música, entonces, más que un "objeto" decorativo es un marcador formal que nos ayuda a sentir un poco más la estructura de la obra. En el caso de ambos cineastas, la música marca la "cadencia" final de la película.
La música es, como ocurre siempre en las películas de Kubrick, una selección de varias obras de grandes compositores de distintas épocas. Lo mismo tenemos a Johannes Strauss que a Gyorgy Ligeti o a Aram Katchaturian que a Richard Strauss. En fin... como sabemos la relación entre este cineasta y la música "culta" es constante en todas sus obras.

Soundtrack de 2001: Odisea del espacio.

Ir a la primera parte

Continuará...

Taxi Driver (1976)

2008-07-21T11:45:00.001-07:00

Qué decir de las películas de Martin Scorsese. Qué decir de que el psicópata que quiso asesinar a Reagan supuestamente se inspiró en esta película. Qué decir de la presencia de De Niro, o de una tierna Judie Foster de 14 años que naciera como prostituta en las calles de Nueva York. Qué decir de Taxi Driver y de Bernard Herrmann, uno de los grandes musicalizadores de todos los tiempos, debutante en 1941 con Orson Welles en la aclamada Citizen Kane, que trabajara con grandes directores como Hitchcock, y que se le hiciera del rogar al director neoyorquino. Tal vez lo que se dice siempre... Por eso no voy a decir nada, mas que el mérito de este soundtrack me parece radicar en que tanto incidentales como scores evidencian la tensa calma del alma carroñera de Travis Bickle, ex soldadito de plomo que traslada su guerra de Vietnam a la ciudad, a su propia lucha con la vida, a las calles de Nueva York, para arreglar las cosas –¿cuáles, quién se lo pidió?– como si esa música saliera del fondo de un edificio, de una radio vieja, somnolienta y solitaria que sin desearlo inundara la ciudad y bajara a las calles y llegara a ti.

Taxi Driver

Publicado por Peco

Death Proof (2007)

2008-07-21T09:47:00.000-07:00

El amo y señor de los soundtracks, Tarantino, ha vuelto a bombardear este blog y no se cansará hasta haber agotado todos sus filmes. Creo que con éste ya sólo faltará Kill Bill vol. 2, y Reservoir Dogs. ¿Qué es lo que hace que los soundtracks de este director sean tan originales e inolvidables? Peco ha sugerido ya algunas posibilidades. En primer lugar está la heterodoxia de los géneros: canciones pop japonesas, oldies de alguna estación local de Nashville, surf perverso clásico. Otro encanto es que utiliza piezas que de otra manera jamás sabríamos que existieron. Así, exponerse a un soundtrack de Tarantino es también dejarse llevar por lo que un melómano de hueso colorado tiene ganas de recomendarte de su inverosímil fonoteca.
Ya ni tiene mucho sentido decirles que la banda sonora de Death Proof está bien buena y que la tienen que bajar. Contiene desde canciones rythm and blues bien llegadoras y viejitas, canciones country bien raras, blusesitos carreteros. Por ahí se coló nada más y nada menos que Ennio Morricone. Una pieza que en lo particular me gustó descubrir fue la de “Dave, Dozy, Beaky, Mick & Titch”, banda en la que, según el filme, iba a tocar Pete Townsend, de The Who. “Down in Mexico”, aparte de evocar el brutal e inolvidable lap dance de una de las actrices de la película, es una muy buena rola, así cachondona como le gustan al maestro cineasta.

Esperamos sus downloads y sus comments que nos alegran nuestras mañanas oficinescas.

Download: Death Proof

Publicado por Rich

Requiem for a Dream (2000)

2008-07-21T09:38:00.001-07:00

Pocos filmes me han gustado por la pésima sensación que me dejan en el paladar. Requiem for a dream es uno de ellos... Su crudeza y la forma de mostrar cómo los sueños se pueden desvanecer por una adicción, es lo que hace que esta cinta sea una de las más recordadas del 2000. El director Darren Aronofsky, conocido también por Pi, el orden del caos, muestra varias historias de adicción y sueños rotos a través de capítulos convertidos en tres estaciones del año. La fotografía es una de mis favoritas, tanto por los encuadres hechos, las locaciones y principalmente por las tonalidades saturadas de los colores. Un punto muy recordado es la edición de varias imágenes cuando los personajes se drogan, momento dificil de olvidar pues hasta en anuncios pubicitarios se usó.

Pero lo que realmente le da un toque de dramatismo y crudeza al filme es la banda sonora. Clint Mansell junto con el cuarteto canadiense The Kronos Quartet son los encargados de llevar el dramatismo de la historia a otro nivel. La forma como utilizan las cuerdas junto a los beats electrónicos hicieron de este material algo completamente distinto a lo que sonaba a principios de siglo. Es imposible no reconocer el papel tan importante que tiene el cuarteto que poco a poco va, in crescendo, desde una suavidad y acción al inicio, hasta lograr una tensión total en el climax de la cinta, que no hubiera tenido el mismo impacto sin la música. El dramatismo de ver a Harry cuando le amputan el brazo; a su madre recibiendo electroshocks; a Tyrone en la cárcel haciendo trabajos forzados; y el más doloroso, la imagen de Marion teniendo sexo con otra chica con toda una fiesta alrededor. Estas imágenes no se hubieran quedado en la mente del espectador sin la música del cuarteto. Vale la pena volver a ver la película y poner especial atención al papel que juega la música en esta cinta, y por qué no, disfrutar de ella sola. Debo agregar que hay que poner especial atención en los materiales de Kronos Quartet, un conjunto muy variado y creador de propuestas musicales inimaginables, siendo este soundtrack una buena oportunidad de acercarse a este grupo canadiense.

Requiem for a dream

Publicado por Daniel

Kill Bill Vol.1 (2003)

2008-07-18T08:29:00.000-07:00

Era el año del 2003, discos como Hail to the thief, de Radiohead, o el memorable Absolution, de Muse, sonaban y quitaban mi atención de la mayor parte de lo que ocurría a mi alrededor en cuestiones sonoras. Sin embargo, esto no era lo único que quitaba mi atención en esos tiempos. Recuerdo cómo todos esperábamos con ansia y expectativa la nueva obra de Quentin Tarantino, Kill Bill. Después de haber visto Pulp Fiction, uno no sabía qué esperar de esta nueva entrega que además venía en dos partes. Al final, la cinta tuvo opiniones divididas; la mezcla ecléctica de géneros para unos fue una genialidad y para otros fue lo peor de este director norteamericano, dando una película nula de contenido y llena de tripas. Lo que no se puede negar que fue un acierto y que marcó ese año, fue la banda sonora que acompañó ese mar de sangre que deramó la espada de "La novia". Una mezcla de géneros musicales entre sonidos actuales con piezas retro, la combinación de canciones western con música oriental fue lo que sonó en cientos de reproductores de cd ese año. La popularización y el éxito que tuvo fue un fenómeno que pocas bandas sonoras han logrado. Simplemente cómo olvidar el emblemático silbido ("The Whistle") de Elle Driver, que llegó incluso a las pistas de baile con pésimas mezclas de antro, o cómo olvidar que fue uno de los ringtones más sonados, a tal grado que era imposible no odiarlo. Sin embargo el resto de la música como la de la banda 5,6,7,8's (el grupo que toca en el bar el intro "The Band Apart") o la canción de "El avispón verde", eran realmente geniales, divertidas e increible que estuvieran juntas en un mismo disco, que hacían que uno pudiera escuchar más de una vez al día ese cd sin aburrirse, debido a que era simplemente dierente. Una película cliché y pop que marcó época a tal grado que hasta Paulna Rubio usó el traje amarillo (un momento triste pero verídico que sería mejor olvidar), pero que dio cierto rumbo a la vida de aquellos que nos gustó todo el desmadre telenovelesco que armó Tarantino tanto cinematográficamente, como en la banda sonora, la cual vale la pena volver a oir y, más aún, disfrutar, después de la euforia que causó. Ahora que ya no suena en ningún reproductor mp3 y que es un recuerdo vago de los miles de fans que tuvo, vale la pena retomar el disco para resaborearlo.

Kill Bill Vol.1

Publicado por Daniel

Mirada silenciosa: el sonido y el silencio en las obras de Tarkovsky y Kubrick (parte 1)

2008-07-16T09:18:00.000-07:00

Siempre he tenido la fuerte convicción de que cualquier arte necesita de lo opuesto a su "materia prima" para poder verdaderamente ser percibido en todas sus dimensiones y penetrar hasta lo más profundo del ser del receptor. Esto puede tener connotaciones más allá de lo artístico, llegando a ser un principio universal : "... y en el comienzo sólo había oscuridad y silencio..."
Así, este fenómeno lo vivimos en el cine al enfrentarnos a la pantalla negra, ausencia de luz, energía generadora de este arte, y lo vivimos por igual en la música, con el silencio antes de un concierto o aún ya dentro de una pieza, como bien lo entendió Beethoven y nos lo hace "ver" al inicio de su Quinta sinfonía.
Durante el desarrollo de una obra, los momentos de ausencia de sonido nos dan un equilibrio regenerador que permite que entendamos las ideas subsecuentes. Sin ellos, lo que está por venir podría pasar desapercibido debido al aturdimiento que la excesiva carga de sonido o luz o palabras provoca en el que lo presencia.
Todo esto lo digo para hacer un breve análisis de cómo es que utilizan este fenómeno dos cineastas que considero verdaderos maestros en cuanto a la relación entre sonido (música, propiamente dicha) y silencio: Andrei Tarkovsky y Stanley Kubrick.

El cine de Tarkovsky, además de por sus bellas imágenes y sus tramas asfixiantes sin salida, se caracteriza por tener muy pocos momentos de música en el transcurso del filme. Un ejemplo de ello es Solaris en la cual, de las casi cuatro horas de maravillosas imágenes, yo diría que sólo 45 minutos tienen una pista de música. El resto... el silencio... nada más que los sonidos eventuales del ambiente y de las voces. El efecto de este manejo del silencio y la música resulta hipnótico para el espectador el cual se ve "arado" (sí, como si fuera tierra fértil) para las escenas más significativas donde el cineasta cede finalmente e introduce la música: música profundamente emotiva con imágenes no menos cimbreantes. Por ejemplo, las escenas previas momento en que se perderá la gravedad en la base de Solaris se desarrolla toda en silencio, únicamente movimiento, fotografía, blanco, rojo y aluminio. Después, lo cálido de la biblioteca donde se desarrolla la discusión entre los dos científicos que cuestiona todo el significado de lo que se estaba haciendo en ese momento: los alcances de la ciencia relacionados con el amor y los deseos del hombre, y después de esto... la ingravidez. Los amantes flotan juntos, la una sentada en el otro, al igual que los candiles y los libros de los cuales hace destacar Tarkovsky una edición del Don Quijote, citado también en varios otros momentos de la película. Y es en este instante que introduce la música, el tema de los créditos iniciales de la película, compuesto por J.S Bach e interpretado al órgano por Edward Artemiev. Otro momento del filme donde existe música es cuando Tarkovsky introduce algunas imágenes del invierno de Brueghel. Éstas son dos de las escenas más maravillosas que jamás haya visto en... toda mi vida. Y así, partiendo del silencio casi interminable de toda la cinta, llega a éstos climax donde se unen imagen, música, literatura, ciencia, amor, miedo y todas las demás dudas de nuestra época en sólo tres minutos, aunque no estoy seguro de que sean exactamente tres, pueden ser menos, pueden ser más, pero en dado caso, esos momentos me parecen afortunadamente eternos.

En realidad todas las películas de Tarkovsky que he tenido la fortuna de ver siguen este principio. Juega siempre con la ausencia y la presencia de diversos elementos, como son la música o los personajes, los diálogos o imágenes definidas para acentuar aún más el significado de sus símbolos. La balanza en cuanto a este tema, en el cine de Tarkovsky, se inclina hacia el silencio como acentuador del significado de los demás elementos de la obra. Creo que el caso de Kubrik es en cierto modo lo opuesto, y justo de esto hablaré en mi próxima publicación.

Les dejo los dos links para el soundtrack de Solaris (1972), El espejo (1975) y Stalker (1979), compuesto e interpretado por Edward Artemiev. Desgraciadamente las versiones en el disco aquí presentado no son exactamente las mismas que en la película, pero es el único que existe en el mercado. Si encuentro la forma de hacerles llegar esas otras versiones será de inmediato. El disco lo entrego en dos partes.

Publicado por cellofan & co.

Parte1

Parte2

Continuará...

Almost Famous (2000)

2008-07-15T11:26:00.000-07:00

En esta ocasión les traigo el buen soundtrack de Almost famous, película que cuenta la historia de un reportero adolescente que sigue a una mediocre banda gringa que hace una gira de costa a costa por lo Estados Unidos, llamada Stillwater, durante los setenta. Bueno, como dato curioso, Stillwater sí existió, y en efecto fue una banda que no pasaba de ser más o menos mediocre, y de la que quedan pocos registros. La cosa es que la canción que tocan como su más grande éxito (según mi informante), “fever dog”, en realidad es escrita por el director y guionista de la película Cameron Crowe y por su esposa Nancy Wilson, quienes fueron acérrimos grupies de Led Zeppelin. Lo más sobresaliente de esta rola, aparte de ser en verdad buena, es el solo de guitarra que es descrito en la película como incendiario y que lo interpreta nada más y nada menos que Mike Mcreaddy (no sé si se escriba así), el mismito de Pearl Jam. Esto me resulta cagadamente borgiano, ya que la pobre banda es recordada por su mediocridad, por su gira, y por una rola que jamás compusieron. Bueno, el resto de la banda sonora es en verdad bueno. No están las rolas más predecibles. Tenemos desde la pachequez trovadoresca buena-onda de Simon and Garfunkel con su “America”; “Sparks” de The Who, que es una gran pieza instrumental de la banda inglesa; “One way out”, de los meros Allman Brothers, es un gran momento del album. Es un buen repaso a lo alternativo y rasposito de los setenta sin llegar al punk y al rock más heavy. Les dejo dos links ya que el álbum está en alta calidad y pues pesa un poco más de la cuenta.

Download: Almost Famous 1
Download: Almost Famous 2

Publicado por Rich

Televentures (1996)

2008-07-12T14:09:00.000-07:00

Si de alguien hay que hablar respecto de los grandes temas de la televisión es de la banda estadunidense The Ventures, quienes desde los años 70 han musicalizado las series más famosas creando verdaderos exitos. No por algo son la agrupación que más discos de rock instrumental ha vendido en toda la historia del Rock. La importancia de esta banda radica en que debido a la experimentación con la guitarra y al uso de efectos, contribuyeron al desarrollo de la música surf e influenciaron a grandes guitarristas, logrando entrar en 2008 al Salón de la Fama del Rock and Roll. Lo que escucharán en esta entrega es una recopilación hecha en 1996 de 25 temas que The Ventures compusieron e interpretan en su estilo original: temas como "Hawaii Five-O", "Secret Agent Man", The Twilight Zone", "Dick Tracy", "Batman", "Mission Impossible", "Star Trek" y "Starsky & Hutch", entre otros. No se dejen llevar por la impresión que dejan los atuendos en la portada de este álbum; detrás de estos hombres hay toda una época y sobre todo un estilo de incidir en la historia de una generación; al escuchar los temas recordarán, y se darán cuenta que toda una forma de sonorizar las series de la pantalla chica sigue vigente, viva, por lo menos en estos tiempos en que todo movimiento cultural se fundamenta –¿alguien sabe por qué?– en lo retro. Sirva esta entrega como un verdadero homenaje a lo retro, lo retro de verdad.

Descargar Televentures

Publicado por Peco

Lost Highway (1997)

2008-07-09T08:17:00.000-07:00

Aún no había decidido qué filme ocuparía este lugar hasta que El Cachuy tuvo a bien recordarme que yo soy uno de esos que se engañan con el cine de Lynch y sí, en efecto creo que una de las principales consecuencias de sus películas es esa ausencia de posesión de la historia, pensar por momentos haber descifrado la trama y el inmediato regocijo intelectual o visceral, para después darse cuenta que el abanico hermenéutico se extiende en proporción a las reproducciones de aquéllas, a veces se comprende un poco más, a veces se interpretan cosas muy distintas a las iniciales, a veces es más sencillo de lo que parecía, las claves se propagan, los signos se iluminan... a veces es una porquería y a veces asumimos que quizá nunca vamos a llegar a la experiencia "real" de la idea original. Entonces podremos disfrutarla. Aquí es donde radica la falacia de ver y escuchar a David Lynch quien juega con nuestros demonios, desde los suyos y apuesta al acto perceptivo individual, a la reinterpretación continua, o al menos creyendo esto he aprendido a dejarme atrapar. Lost Highway es un buen ejemplo; lo oscuro de sus personajes, el juego de lo real y la ficción como parte humana, sea etérea o carnal, el hombre ante su mente o sus fantasmas, llevan en principio a elegir entre lo probable y lo imposible para continuar la lectura. La comunión entre estos perfiles, las imágenes que les visten las espaldas con sus testigos fotográficos y los ritmos, voces y sonidos que sirven como una esfera en donde todo lo que sucede en principio va a perderse de toda lógica, bondad o belleza, pudiendo llegar, sin embargo, al límite de éstas y ser justamente sus contrarios para bien o para mal. Es la música que ha sido encargada a Angelo Badalamenti la que enmarca con tonos graves toda esta atmósfera nebulosa, húmeda y lasciva. Completan la sala los pequeños infiernos de Trent Reznor y Nine Inch Nails, David Bowie, Smashing Pumpkins, Lou Reed, Barry Adamson, Marylin Manson, Rammstein y Antonio Carlos Jobim. Por último hago hincapié en la portada, un still retocado de la secuencia más dramática del filme, una "clara" imagen de lo terrorífico que pueden ser una serie de signos agrupados que apuntan hacia nuestros temores más ocultos, fije bien la mirada, acompáñese con la última pista y una copa de leche.

Descargar (128 Kbps)

Publicado por Fifo

Life Aquatic, Rushmore y The Royal Tenenbaums

2008-07-05T14:46:00.000-07:00

"Cuando el artista se la está pasando mejor que el público, hay algo que está saliendo mal." Tony Wilson.

Dudo del cine de arte. Yo no era así. Algo me pasó y le agradezco a Diosito que me haya desviado del camino. Ya no tengo que mentir y decir que me gusta David Lynch. Me pasa lo mismo con “la buena música”, no tengo idea qué es lo que pueda ser eso.
A mi me gusta mucho Wes Anderson. Es un hombre dispuesto a jugársela como tierno, a buscar actores tiernos y soundtracks tiernos.
No tiene que mentir y decir que es un cabrón, ni que sabe mucho de música, en fin, de nada de esas cosas que hacen sentir hombres a los hombres en estas tercermundistas y pseudointelectuales latitudes.
Aquí el disco de Life Aquatic, un score tierno, fácil de escuchar, acompañado , como siempre por Mark Mothersbaugh (líder del fantástico grupo Devo, que, por favor, si tienen tantitititita curiosidad y les duele un poco la tremenda ignorancia que nos aqueja, bájenlo).
Estos soundtracks de las películas de Wes Anderson son una clase de lo poco que sabemos de la música de los 60’s y 70’s. Yo pienso que Gustavo Díaz Ordaz, en secreto, amaba a The Doors, a Jethro Thull, a Creedence Clearwater Revival… y por qué no? a Pink Floyd y se encargó de que a México nomás no le llegara más música. Bueno, esa es mi teoría, y como yo no sé nada de nada, pues seguramente es falsa. Me desvío del tema. Como me considero un hombre generoso, también están los links para bajar los soundtracks de Rushmore y de The Royal Tenenbaums.

Rushmore OST
The Royal Tenenbaums OST
Life Aquatic OST

Publicado por El Cachuy

Koyaanisqatsi: Life out of balance (1982)

2008-06-29T17:48:00.000-07:00

"Cada ser es un himno destruido..." Ciorán

Primera de tres obras documentales de Godfrey Reggio, producida por Coppola, Koyaanisqatsi o "Vida fuera de equilibrio", en lengua Hopi, es una excelente dramatización del poder destructivo del hombre. Narrada básicamente por medio de cámaras lentas y rápidas, en escenarios reales inimaginables y ciudades superpobladas, el filme va mostrando in crescendo un contraste entre el mundo natural, cósmico, tal como existe o como nos fue entregado por la Naturaleza, y los espacios transformados por el ser humano. Final predecible (el de la humanidad, por supuesto). A través del particular estilo de Philip Glass (austeridad en las formas, adición constante, repetición), este disco minimalista no sólo apoya el contraste visual mencionado sino que logra hacer sentir (¿hacer ver?) el vertiginoso paso del tiempo y del cambio. Perfecto ensamble musical de Glass, este hombre que pasó por el budismo, que en épocas de estío y de incomprensión fue taxista y reparador de electrodomésticos, y que en la actualidad se ha convertido en un reconocido orquestador de películas con un estilo particular: las siguientes dos entregas de la trilogía qatsi: Powaqqatsi y Naqoyqatsi, de Reggio; A brief history ot Time, de Errol Morris; Mishima, de Paul Schrader; Kundun, de Martin Scorsese, y una reciente musicalización para el Drácula de Tod Browning. Que disfruten esta entrega!

Track list:

01 Koyaanisqatsi/Philip Glass
02 Organic/Philip Glass
03 Cloudscape/Philip Glass
04 Resource/Philip Glass
05 Vessel/Philip Glass
06 Pruit Igoe/Philip Glass
07 The Grid/Philip Glass
08 Prophecies/Philip Glass

Descargar Koyaanisqatsi

Publicado por Peco

The Director´s Cut - Fantômas (2001)

2008-06-23T11:12:00.000-07:00

Comenzaré con un disco que no es la banda sonora de algún filme, quizá de muchos, siendo optimista, o de ninguno, siendo objetivo. Se trata más bien de una re-interpretación de piezas pertenecientes a 13 películas y 2 series de televisión, de principios a finales del siglo pasado, selección hecha para el segundo disco de Fantômas, uno más de los tantos proyectos musicales del prolífico Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle, Tomahawk, Peeping Tom), acompañado por Buzz Osbourne (The Melvins), Trevor Dunn (Mr. Bungle) y Dave Lombardo (Slayer). La explícita cinefilia de Patton es evidente para este proyecto al cual decidió bautizarlo con el nombre que en un principio le había gustado para el título de alguna de sus canciones, Fantômas es tomado del legendario personaje ficticio creado en 1911 por Marcel Allain & Pierre Souvestre, quienes escribieron 32 novelas en conjunto y 11 más después de fallecido Souvestre, sobre este villano, asesino sádico maestro del disfraz y la múltiple personalidad. Este antihéroe ha sido adaptado en cine, historietas y televisión y es uno de los primeros personajes sobre asesinos seriales contemporáneos. El término Director´s Cut (Corte del director) corresponde a una parte del material filmado que ha sido desechado del Corte final (Final Cut) y por consiguiente del Corte del editor (Editor´s Cut) de una producción cinematográfica, de video o televisión y obedece generalmente a aspectos de tipo comercial, acuerdos entre los productores y el director, censura oficial, autocensura y/o exigencias de tiempo y económicas. Esta parte de la producción no incluida en la versión oficial, corresponde entonces a una versión original del creador, responsable de su difusión, y que puede pertenecer a un fragmento intermedio de la obra o incluso a un final muy distinto de la misma y de caracter polémico habitualmente. Director´s Cut es pues una visión musical particular de Patton a piezas pertenecientes al soundtrack de estos filmes, que incluyen sampleos, letras originales y una atmósfera muy cercana a los géneros de terror y de suspenso reinventada con instrumentos de rock, ritmos y sonidos death metal, dark y gótico, fondos sinfónicos, distorsionadas, dulces y escalofriante vocess, gritos, ruidos y efectos. Un trabajo a final de cuentas muy lúdico, irónico y burlón (léase: oscuro, serio y clavado) como el propio autor. Resulta curioso el que no se haya incluido algún tema de las tantas versiones de Fantômas hechas para cine y televisión, o quizá éste sea el track número 13 que, misteriosa y cabalísticamente ha sido dejado en silencio, correspondiendo así a la primera adaptación cinematográfica de Fantômas hecha en 1911 por Louis Feuillade que, en efecto, es muda.

Espero conseguir las versiones originales y hacer para ustedes un disco de referencia que seguramente resultará interesante, claro, si su interés me lo exige. A continuación la lista de temas, con nombre de su compositor original, el director cinematográfico y el año de realización.

1. The Godfather - Nino Rota, Francis Ford Coppola, 1972
2. Der Golem - Karl-Ernst Sasse, Paul Wegener y Henrik Gallen, 1915
3. Experiment In Terror - Henry Mancini, Blake Edwards, 1962
4. One Step Beyond - Harry Lubin, John Newland, 1959 (tv serie)
5. Night Of The Hunter (Remix) - Walter Schumann, Charles Laughton, 1955
6. Cape Fear - Bernard Herrmann, Martin Scorsese, 1991
7. Rosemary's Baby - Krzysztof Komeda, Roman Polanski, 1968
8. The Devil Rides Out (Remix) - James Bernard, Terrence Fisher, 1968
9. Spider Baby - Ronald Stein, Jack Hill, 1964
10. The Omen (Ave Satani) - Lionel Newman, Richer Donner, 1976
11. Henry: Portrait Of A Serial Killer - Robert McNaughton, John McNaughton, 1986
12. Vendetta - John Barry, BBC Serie, 1966
13. Untitled
14. Investigation Of A Citizen Above Suspicion - Ennio Morricone, Elio Petri, 1970
15. Twin Peaks: Fire Walk With Me - Angelo Badalamenti, David Lynch, 1992
16. Charade - Henry Mancini, Stanley Donen, 1963

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Publicado por Fifo

Across the Universe (2007)

2008-06-20T11:11:00.000-07:00

No sé si esté buena Across the Universe, musical ambientado con covers de los Beatles. La primera vez que la ví me pareció buenísima, la segunda fatal, y la tercera ya no supe. Esto es básicamente por dos razones: Es un musical, y las canciones son de los Beatles. O sea, uno no puede ser objetivo con estas características: eso de que expresen sus sentimientos cantando y medio bailando canciones clásicas sí puede freakearlo a uno muy gacho, y más si son canciones que uno estima como casi de uno. Pero lo que llama la atención desde el principio es que, sobre todo el protagonista (Jim Sturgess), actor galanzón que se parece a Paul Mcartney; canta emputantemente bien. Simplemente le salen las rolas como debe de ser: con onda y chido. Aunado a esto, a pesar de tratarse de un musical y que, como tal, suelen las piezas estar sobreproducidas, aquí se respeta bastante la esencia de las piezas: o sea, son canciones de rock. Otro aspecto que me parece interesante es que el álbum tiene todo una dirección emotiva que funciona por sí sola, sin tener que ver la película pues. Empieza fresona la cosa, y conforme va a avanzando el álbum se va poniendo cada vez más denso, hasta llegar a momentos verdaderamente memorables como “Iam the Walrus" (Bono y The secret Machines), “Across the universe” “I want you she son heavy” (mi canción favorita de la banda), “The happines is a warm gun”, etc… Como notarán en esta pequeña lista, no está ni "Yesterday", ni "Let it be", ni "She loves you", están las mejores rolas de los Beatles, incluyendo las menospreciadas por las antologías comerciales, y se desprecian las que siempre espera la tía que quiso ser hippie y no pudo. Otro momento importante es la colaboración del mismísimo Joe Cooker en “Come together”. Ya cuando uno lleva un 80% del disco ya tiene la percepción de que se trata del mejor homenaje a los Beatles que ha habido, superando los de “Beatles jazz”, “I’m Sam”, etc. La armonización que hace todo el cast en “Because” es verdaderamente sublime. En fin, creo que es de los mejores soundtracks que he oido últimamente. Ojalá les agrade, sería bueno que comentaran si no han visto la película, qué les parece el soundtrack sin tener la predeterminante cinematográfica. Por último, les recomiendo oírlo en el orden normal (ya ven que en el itunes se organiza por autores), ya que sí existe una intención emotiva en el orden de las piezas, y no se dejen engañar por el arranque fresa… así empezaron los Beatles.

Bono reivindicándose en "Across the Universe"

Download "Across the universe"

Publicado por Rich

El lado obscuro del corazón (1992)

2008-06-17T16:19:00.000-07:00

"Sólo la música puede crear una complicidad indestructible entre dos seres. Una pasión es perecedera, se degrada como todo aquello que participa de la vida; mientras que la música pertenece a un orden superior a la vida y, por supuesto, a la muerte." Ciorán

Tal vez debí haber comenzado la odisea con esta película, dado que cuando la vi me quedé mudo. El lenguaje, la historia que cuenta y la manera de narrar se convirtieron en una claridad, en un escenario mítico, puesto que me parecieron sumamente familiares e incluso acotaban la forma como yo pensaba las historias. A lo mejor era pensar Latinoamérica, a lo mejor la cercanía con Cortazar y Rayuela. Lo más maravilloso de todo es que durante muchos años los amigos entrañables que nos juntábamos a platicar o a ver películas o a andar de vagos, siempre terminábamos hablando de este film y recitando los poemas de Girondo, Gelman y Benedetti. Aquellos tiempos fueron incomensurables. La cinta rememora escenas de bohemia y arrabal a través de enormes boleros como "Algo contigo", de Chico Novarro, y "Verdad amarga", de Consuelo Velázquez, interpretados por María Marta Serra Lima y Los Panchos, así como "Inolvidable", de J. Gutiérrez, interpretado por Tito Rodríguez, "Somos", de Mario Clavell, interpretado por Lucho Gatica, a las que se suman piezas del repertorio clásico y canciones modernas de Fito Páez ("Ciudad de locos corazones", interpretada por Dalila), "Colón o el huevo conquistador" de Ana Crotti y "Yokuali", de Adolfo Bontempo. Yo seguí viendo y repitiendo El lado obscuro del corazón, del argentino Eliseo Subiela, y al paso de devenires y mudanzas logré hacer una recopilación propia, un soundtrack personal o particular de esta película, en poco parecido al original. Escogí aquellos tramos de cinta que más me gustan y los junté en un disco, que es el que ahora público. Lo que se llevan es una interpretación en extremo personal de los sonidos del film, y está dedicado de manera esencial a aquellos que con emoción escucharon y escucharon durante años los mismos poemas, diálogos y canciones, en un sinfín de escenarios, entre ellos la tumba de mi abuelo.
Para Memo, Chucho, Elías, Tobi y Martín. Por esos tiempos.

Y a Thaís, mi mujer, por tener todo con ella!

P.D. Sólo el principio y el final del track list coinciden con la película; lo demás es aleatorio, producto simplemente de los caprichos de los reproductores de audio o de la mala organización de la recopilación, que sin embargo y mañosamente establecen una lectura auditiva interesante.

Track list:

01 Me importa un pito

02 Entrada

03 Yo no sabía

04 Sefiní/Colón o el huevo conquistador/Ana Crotti, Adolfo Bontempo

05 Me importa un pito (cabaret) y Somos/Mario Clavell, Lucho Gatica

06 Táctica y estrategia

07 Basta

08 Ambience

09 Los nervios se me adhieren al barro

10 Ya que navegas por mi sangre

11 Sefiní/Yokuali/Adolfo Bontempo

12 Siempre llega mi mano

13 Muerte puta

14 Ciudad de locos corazones/Fito Paez, Dalila

15 Inolvidable/J. Gutiérrez, Tito Rodríguez

16 Algo contigo/Chico Novarro, María Martha Serra Lima y Los Panchos

17 No te salves

18 Quererte sin tenerte

19 Boda

20 El amor es un mecanismo

21 Me dan ganas de llorar...

22 Por qué no te comprás un lindo vestidito

23 No es para quedarnos en casa

24 No vayas

25 Nunca veas a una puta con luz de día

26 Rostro de vos

27 Llorarlo todo

28 Iluminaste el lado obscuro de mi corazón

29 Te llevó a volar y te dejó caer

30 Verdad amarga/Consuelo Velázquez, María Martha Serra Lima y Los Panchos

El lado obscuro del corazón

Publicado por Peco

The Great Gig in the Screen (Pink Floyd y el cine)

2008-06-17T12:06:00.000-07:00

Pink Floyd se perfilaba para ser el gran representante de la música psicodélica de finales de los sesenta, herederos del sonido del Sgt. Peppers y del Beggars Banquet de los Rolling Stones. Era Syd Barret el lider y el principal eje creativo de la banda. Él era el que hacía las canciones. A pesar de que el sonido de Pink Floyd desde el principio exploró con posibilidades tonales y de uso de recursos electrónicos, antes de la muerte de Syd hacían lo que las bandas de rock debían hacer: canciones. En el documental sobre la grabación del Dark side of the moon, Waters dice que cuando muere Syd ellos “afortundamente” no sabían hacer canciones. Es decir, se quedan sin el elemento que de alguna manera formalizaba las composiciones bajo una intención de concretización, muy delirante y a veces caótico, pero al final de cuentas se concretizaba en una forma más o menos estructurada de canción. Cuando este eje que ceñía a la composición se pierde, Pink Floyd se distiende hasta el extremo en sus composiciones, ahora sí exploran sonoramente con cada aparatito que llegaba a sus manos, indagan sin consideraciones sobre la dirección de una composición y terminan por hacer piezas llenas de sonoridades extrañas, sintéticas, con una estructura basada en las direcciones emocionales de una percepción extendida en sus posibilidades.

Por otro lado, sus presentaciones en vivo siempre tuvieron esa intención de performance visual que no solamente aclimataba sus improvisaciones, terminaban por ser verdaderos discursos audiovisuales abstractos e interrelacionados.

Así, bajo estas dos condiciones, su distensión composicional, y su interés en la relación música-imagen, el paso de la propuesta musical-performancera a la de la musicalización de discursos cinematográficos es casi obligada. A esto hay que añadir el panorama y la naturaleza de los filmes de la época: profundamente experimentales y entusiastas en su intención de reconfigurar y descubrir las posibilidades de una imagen en movimiento y su sonido.

Imagen y sonido se convirtieron en parte integral del discurso pink floyero, tanto desde sus conciertos como en los filmes en los que participaron. Ya en época de Syd Barret participaron en una película muy de la época: Tonight let's all make love in London: película profundamente sexosa y sicodélica a más no poder, movimientos intensos que deforman y hacen difusa la imagen, mujeres desnudas con fetiches muy “artísticos” alrededor, etcétera. Sin embargo, aquí todavía no encontramos un pink floyd tan extremadamente meditativo, más bien su música va muy bien con la intención expresiva de la película.

Es en los siguientes proyectos en los que la banda, ya configurada como plenamente experimental, hace propiamente música para películas clavadas -piénsale qué onda- la vida es muy compleja. Aquí tenemos More, Zabriskie point, Obscured by clouds, todas anteriores al Dark side of the moon. Sobre estas tres películas ya entregaré algo mucho más puntual, pero lo que me importa en este momento es el dato de ser anteriores a su gran disco que los inmortalizaría como el paradigma del rock progre clavadón de los setenta. Hasta antes del Dark side, Floyd se daba muchísimas libertades compositivias, si no me creen escuchen el disco 1 del Ummaguma: son sonidos perfectos para acompañar imágenes contemplativas.

A partir del álbum del prisma, Floyd se convertiría en una super banda que se abocaría en la realización de discos conceptuales innovando casi en cada intento, pero su relación entre cine-música seguiría patente. Antes de llegar al cenit al respecto que es The wall, hay un fenómeno que me parece muy revelador al respecto: no sé en qué momento se habrá difundido el mito de que el Dark side estaba sincronizado con el Mago de Oz. En realidad la onda está en que el momento en que la casa de campo que se eleva por una tormenta en la primera mitad del filme coincide perfectamente con la maravillosa "The great gig in the sky". También existen coincidencias notables sobre todo de orden semántico entre la letra y lo que está sucediendo en la película. Sí, hay coincidencias, pero tanto como para pensar que se trata de una sincronización establecida, la verdad tampoco. Sea o no así, lo interesante para el caso es el establecimiento del disco representativo del grupo con un filme fantástico. Es decir, pongamos por caso (que es lo más seguro) que no hay una relación hecha de manera intencional entre el disco y el filme, sin embargo dentro del horizonte de expectativas de fans, melómanos y cinéfilos, resultó muy prudente y pertinente ponerse a escuchar un disco de Pink Floyd mientras ves una peli que no establece de antemano ninguna relación. O sea, ¿por que Floyd y no Yes o Emerson, o Deep Purple, o Genesis o más pertinente, Brian Eno? No, tenía que ser Pink Floyd. Eso me hace pensar que ya existía de antemano una interpretación de su música dirigida hacia lo visual y narrativo, y que la mitología generada naturalmente por la cultura pop estableció un soundtrack como algo casi instintivo, más allá de los planes de producción de una disquera o una distribuidora de cine, como bien lo sabe hacer la cultura popular.

Otro caso muy especial es el de The wall. De manera convencional se puede pensar que el disco es el soundtrack de la película de Alan Parker, pero creo que la dinámica y la percepción del fenómeno es justamente lo contrario. Por un lado, Pink Floyd, para estas alturas, ya era mucho más grande que un filme de Alan Parker, por muy bueno que este sea. Segundo, el disco semánticamente antecede a la película, es decir, la película se originó a partir del disco, así, se acomodó el discurso visual de acuerdo a la narrativa establecida por el álbum. De esta manera, no se trata exactamente de un soundtrack en un sentido convencional. Para hacernos chaquetas mentales, pensemos más bien en una cinematografización (¿existe?) de un discurso musical-literario. El proceso es justamente el contrario. De esta manera tenemos todo un proceso que va de un involucramiento cinematográfico de la música de Pink Floyd, una mitología que plantea esa relación (Dark side-Mago de Oz), y un (¿cómo decirlo?) planteamiento musical-poético que direcciona un discurso cinematográfico. Es decir, en la relación música-cine de la banda, aquélla comienza por relacionarse para terminar por operar como la directriz significativa de los discursos involucrados (chale, pareció esto de teórico francés).

También habría que añadir su constante interés en hacer del concierto un espectáculo audiovisual. Sólo piensen en la gira Pulse de los años noventa, o el puerquito volador que todavía exacerba los ánimos en los conciertos de Roger Waters, y las pantallas gigantes que (aquí sí) se sincronizan con la música en vivo.

Así, tendríamos todo un proceso variable de la relación música-cine-Pink Floyd, que jamás se instaló de manera fija y convencional, pero que siempre estuvo patente desde su conformación y desarrollo.

Secuencia de Wizard of Oz musicalizado por "The great gig in the sky":

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Obscured by Clouds: Download

Publicado por Rich

Asesinos por naturaleza (1994)

2008-06-11T19:37:00.000-07:00

"¿Poseeré la suficiente música dentro de mí como para no desaparecer jamás? Hay adagios tras los que no puede uno ya pudrirse." Ciorán

A toda velocidad por la Ruta 666, despedazando vehículos, tirando balas a placer, Mickey y Mallory Knox, temibles asesinos estadunidenses asolan puebluchos y ciudades de los Estados Unidos... Suerte de reality show, contada vertiginosamente con innumerables recursos (formato televisivo, llena de anuncios comerciales y cortes reales de noticiarios, uso de animación y cortes con planos alternos y ángulos de cámara en blanco y negro), Asesinos por naturaleza, extrema cinta violenta de Oliver Stone, con escenas censuradas en algunos países y con la historia de fondo de otro amante de la violencia, Quentin Tarantino, es una cinta cuya banda sonora refleja a la perfección este mundo sangriento, decadente, acelerado y psicótico de los asesinos, que tanto gusto genera alrededor del mundo. En la mayoría de las películas de violencia siempre la musicalización tiene un tono irónico, en cierto sentido alejado de la violencia real –pues la sonorización también narra–, la música va creando puntos de vista no siempre directos con lo que estamos viendo, genera atmósfera o marca contrapuntos; sin embargo la banda sonora de Asesinos... es claramente la violencia, es un disco duro, acelerado, a punto de estallar, de violencia (musical o sonora, si se quiere) extrema y real, la sentimos, no está matizada, el punto de vista de las piezas sonoras existe dentro del filme, golpea, señala, apunta, y dispara... A las escenas con diálogos clave se suman ambientes y canciones perfectamente armadas. La historia se va contando en el soundtrack al igual que en la película. Y como un regalo, el disco incluye una pieza fenomenal en la que la bella Juliette Lewis canta, se trata de "Born bad", la chica recluida en una fría celda obscura suelta la voz bajo una terca luz cenital, y luego, inesperadamente, corre hacia la puerta desde donde es espiada y a toda velocidad choca su frente contra el metal.

Track list:

01 Waiting For The Miracle/Leonard Cohen

02 Shitlist/L7

03 Moon Over Greene County/Dan Zanes

04 Rock'N'Roll Nigger/Patti Smith

05 Sweet Jane/Cowboy Junkies

06 You Belong To Me/Bob Dylan

07 The Trembler/Duane Eddy

08 Burn/Nine Inch Nails

09 Route 666/Brian Berdan

10 Totally Hot/Remmy Ongala & Orchestre Super Matimila

11 Baby In aby's Arms/Patsy Cline

12 Taboo/Peter Gabriel & Nusrat Fateh Ali Khan

13 Sex Is Violent/Jane's Adiction

14 History Repeats Itself/a.o.s.

15 Something I Can Never Have/Nine Inch Nails

16 I Will Take You Home/Russel Means

17 Drums A Go-Go/Hollywood Persuaders

18 Hunrgy Ants/Barry Adamson

19 The Day The Niggaz Took Over/Dr. Dre

20 Born Bad/Juliete Lewis

21 Fall Of The Rebel Angels/Sergio Cervetti

22 Forkboy/Lard

23 Batonga In Batongaville/Budapest Philarmonic Orchestra

24 A Warm Place/Nine Inch Nails

25 Allah, Mohammed, Char, Yaar/Nusrat Fateh Ali Khan & Party

26 The Future/Leonard Cohen

27 What Would U Do?/Tha Dogg Pound

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Publicado por Peco

I am Sam (2002)

2008-06-11T07:53:00.000-07:00

"Fuera de la música, todo, incluso la soledad y el éxtasis, es mentira. Ella es justamente ambos, pero mejorados." Ciorán

Excelente homenaje a Los Beatles en una película sentimental donde un padre con problemas mentales y sólo debe hacerse cargo de su hija... Hablamos del film I am Sam, de la directora estadunidense Jessie Nelson. En esta película la trama se construye apoyándose en canciones clásicas de los músicos ingleses y en ocasiones logra elaborar pequeños videoclips que resultan amables al espectador, pues lo sacan de la narración tradicional. Disco ecléctico, las canciones son interpretadas por músicos de muy diversa trayectoria; covers bien elaborados, dejan escuchar la esencia roquera de Los Beatles. Este soundtrack es un material orgánico y redondo. Los Beatles escribieron de todo, y aquí una muestra de que sus canciones –siempre vivas– pueden ambientar y contribuir a narrar las diferentes emociones y momentos que contiene una película. La vida, pues.

Track list:

01 Two Of Us/Aimee Mann and Michael Penn

02 Blackbird/Sarah McLachan

03 Across The Universe/Rufus Wainwright

04 I'm Loking Trough You/The Wallflowers

05 You've Got To Hide Your Love Away/Eddie Vedder

06 Strawberry Fields Forever/Ben Harper

07 Mother Nature's Son/Sheryl Crow

08 Golden Slumbers/Ben Folds

09 I'm Only Sleeping/The Vines

1o Don't Let Me Down/Stereophonics

11 Lucy In The Sky With Diamonds/The Black Crowes

12 Julia/Chocolate Genius

13 We Can Work It Out/Heather Nova

14 Help!/Howie Day

15 Nowhere Man/Paul Westerberg

16 Revolution/Grandaddy

17 Let It Be/Nick Cave

18 Lucy In The Sky/Aimee Mann

19 Here Comes The Sun/Nick Cave

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Publicado por Peco

Pulp Fiction (1994)

2008-06-06T11:48:00.000-07:00

"La música es una ilusión
que compensa de todas las demás." Ciorán

Convertido por su popularidad en un clásico contemporáneo, el soundtrack de Pulp Fiction resulta ser una excelente recopilación de oldies al más puro estilo tarantino. La banda sonora de este violento film incluye algunos de los diálogos entre los personajes protagonizados por John Travolta y Samuel L. Jackson, mostrando el jugueton recorrido de estos personajes por el mundo de las mafias y los matones a sueldo. Memorable volver a ver Travolta en una pequeña pista de baile moviéndose a ritmo de rocanrol con la pista de Chick Berry "You never can tell". 16 increíbles tracks con los que de inmediato dan ganas de mover las estructuras!

Track list:

01 Pumpkin & Honey Buny/Miserlou/Dick Dale & The Del-Tones

02 Royale With Cheese/Diálogo

03 Jungle Boogie/Kool & The Gang

04 Let's Stay Together/Al Green

05 Bustin' Surfboards/The Tornadoes

06 Lonesome Town/Ricky Nelson

07 Son Of A Preacher Man/Dusty Springfield

08 Zed's Dead Baby/Bullwinkle Part II/The Centurions

09 You Never Can Tell/Chuck Berry

10 Girl, You'll Be A Woman Soon/Urge Overkill

11 If Love Is A Red Dress/María McKee

12 Bring Out The Gimp/Comanche/Revels

13 Flowers On The Wall/The Statier Brothers

14 Personality Goes A Long Way/Diálogo

15 Surf ider/The Lively Ones

16 Ezequiel 25:17/Dialogue

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La doble vida de Verónica (1991)

2008-06-06T09:06:00.000-07:00

"Cuando hemos perdido las ganas de manifestarnos, nos refugiamos en la música, ese edén de los abúlicos." Ciorán

Bienvenidos!

Siempre es difícil comenzar. Sobre todo cuando se tienen grandes aficiones y uno quiere –no sé por qué– dejar una huella que marque el camino, que lo simbolice, que incida en el tiempo y el espacio de este proyecto que hoy se muestra... Hace muchos años, tardes de suave lluvia y de nostalgia me acompañaban cuando a solas deambulaba por las calles de la Ciudad de México queriendo encontrar algún sentido del vivir: la claridad del amor, la razón de los desvaríos, la estúpida terquedad de saber qué querer hacer en la vida o por lo menos justificar el valor de la existencia de uno mismo. Junto a la lluvia y la nostalgia me acompañaron siempre las piezas de un disco melancohólicamente adolescente, cándido pero abismal, fiel a las imágenes que no sólo acompaña, sino que cifra y en ocasiones rebasa. Ese disco intensamente profundo, y que ejemplifica a la perfección el romance entre las imágenes en movimiento y su música, es la banda sonora de la película La doble vida de Verónica, del director polaco Kristof Kieslowski, un universo de incertidumres y certezas donde la posibilidad de encontrar a un otro que sin duda puede ser uno mismo, es desgarradora. Zbignieb Preisnier, que ha acompañado al cineasta a lo largo de ya varios filmes, es el creador de esta majestuosa obra. A las atmósferas abismales del grueso del disco, sólo en una de las piezas el tono cambia y se abre la posibilidad de una esperanza, suerte de reconciliación o sortilegio.

Track list:

1 Weronika
2 Veronique
3 Tu vendrás
4 L'enfance
5 Concierto en mi menor/Van den Budenmayer, versión de 1978
6 Veronique
7 Solitude
8 Les Marionetes
9 Theme 1 Transcription
10 L'enfance II
11 Alexandre
12 Alexandre II
13 Theme 2 Transcription
14 Concierto en mi, instrumentation contemporaine No. 1
15 Concierto en mi, instrumentation contemporaine No.2
16 Concierto en mi, instrumentation contemporaine No.3
17 Concierto en mi menor/Van den Budenmayer, versión de 1802
18 Generique de Fin

La doble vida de Verónica

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